Revista :Estúdio

Between the sculpture’s skin and the painting’s hand

Resumo A arte é material ilusório que se ilude na sua polaridade. Entre a pele da pintura e a pele do pintor, existe uma continuidade interrompida pelo encerramento da peça, em que o autor se despede e abre caminho aos novos participantes. Estes são seres políticos, pois são público, são relação. As quinze propostas de abordagem à obra de outros tantos artistas que aqui são apresentadas, neste número 35 da Revista Estúdio, transportam um desejo interior de uma expansão para os vivos, para novas relações, novos trânsitos, no círculo aberto das artes.

Abstract Art is illusory material that is deluded in its polarity. Between the skin of the painting and the painter’s skin, there is a continuity interrupted by the closure of the piece, in which the author gives way to new participants. These are political beings, because they are public, they are relationship. The fifteen proposals to study the work of fifteen artists that are presented here, in this issue 35 of Revista Estúdio, carry an inner desire for an expansion towards life, for new relationships, new transfers, in the open circle of the arts.

Strike out what matters: the importance of the error in the work of Gonçalo Barreiros

Resumo O presente artigo tem por objetivo apresentar duas obras de Gonçalo Barreiros, explicando de que modo, através da presença do erro e da falha, estas obras nos atraem e repelem, criando uma tensão provocada pela curta distância entre aquilo que compreendemos e aquilo a que não conseguimos aceder.

Abstract This article aims to present two works of the artist Gonçalo Barreiros, explaining how, through the presence of error and failure, these works attract and repel us, creating a tension caused by the short distance between what we understand and what we cannot have access.

Scratching the Surface: participation and social transformation of the city

Resumo O texto propõe uma abordagem à obra do artista plástico Alexandre Farto aka Vhils (n.1987). Este é considerado um dos artistas mais significativos e instigantes que desenvolvem parte do seu trabalho na área da street art, mobilizando um conjunto de meios expressivos que possibilitam uma reflexão sobre o meio urbano e estabelecem uma progressiva relação entre a arte, a cidade e a sociedade. Esta relação leva, inevitavelmente, a uma fusão entre a arte e o contexto social. Analisar-se-á um conjunto de intervenções inseridas na sua série de trabalhos intitulada “Scratching the Surface”.

Abstract The text suggests an approach to the work of the plastic artist Alexandre Farto aka Vhils (b.1987). He is considered one of the most significant and thought-provoking artists who develop part of their work in the sphere of street art, mobilizing a set of expressive means that allow a reflection on the urban environment and establish a progressive relationship between art, the city and society. This relationship inevitably leads to a fusion between art and the social context. A set of interventions included in the series of his works entitled “Scratching the Surface” will be analyzed.

The “eternity of the present” in Dulce Ferraz's jewelery

Resumo O percurso criativo de Dulce Ferraz é marcado pelos territórios por onde foi passando e vivendo. A memória das paisagens, das cartografias do pai e das artes que aprendeu no japão - Chinkin, Rattan e Ikebana - refletem-se nas suas peças de joalharia, levando-nos a refletir sobre escultura e escala e a dialética de paisagem/ não-paisagem, cheio/vazio, interior/exterior e lugar/não-lugar. Se por um lado as peças da artista funcionam como escultura em miniatura levando-nos a abordar a obra de Robert Smithson, por outro, as “joias de pousar” no mundo dos objetos funcionam como haikus japoneses na poesia, na literatura.

Abstract Dulce Ferraz’s creative journey is determined by the regions where she lived or passed through. Her memory of the landscapes, of her father’s mappings and the arts she has learned in Japan - Chinkin, Rattan and Ikebana - reflect themselves in her jewellery pieces, leading us to think about the sculpture, the scale and the dialectical relation between landscape/non-landscape, full/empty, interior/exterior, place/non-place. If on one hand the artist’s pieces work like little sculptures, that push us to address the work of Robert Smithson, by the other hand, these standing jewellery in the world of the objects, work as Japanese haikus in poetry, in literature.

Always She: Cristina Troufa's painting

Resumo A artista portuguesa Cristina Troufa vem delineando uma instigante carreira em Pintura Contemporânea ao exercer um significativo contra-ponto às tendências predominantes da arte como conceito - imediato. A artista investe num viés expressivo da arte como imagem: figurativa, naturalista - mediada. Seu processo criativo é centrado em sua própria imagem, sua presentidade anatômica em dimensão expressiva. O naturalismo, nutrido por surpreendentes soluções procedimentais, estabelece diálogos com a fotografia e a tradição pictórica. Tudo para reafirmar o feminino.

Abstract The Portuguese artist Cristina Troufa has been outlining an exciting career in Contemporary Painting by exercising a significant counterpoint to the prevailing tendencies of art as a concept - immediate. The artist invests in an expressive way of art as an image: figurative, naturalist - mediated. Her creative process is centered on her own image, her anatomical presence in an expressive dimension. The naturalism, nourished by surprising procedural solutions, establishes dialogues with photography and the pictorial tradition. Everything to reaffirm the feminine.

Lara Almarcegui: proyectos de tierra

Resumen A través del estudio de una selección de proyectos de la artista Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) relacionados con la tierra y el subsuelo se pretende evidenciar cómo estos dos elementos son utilizados en su obra para el conocimiento y entendimiento del lugar. La tierra como espacio y herramienta a través de la cual posicionarse y poner en cuestión el orden urbano, donde elementos aparentemente ajenos a las dinámicas de las ciudades, como los solares, descampados, túneles, materiales de construcción o huertos urbanos, se convierten en el foco de sus propuestas artísticas. La tierra deja de ser utilizada exclusivamente para la producción de objetos artísticos o para la representación del territorio y se emplea para conocer los lugares, como sucede en Madrid Subterráneo (2012), para preservarlos (Matadero de Arganzuela, 2005-2006) o para la producción de experiencias y creación de lazos comunitarios (El descampado de la antigua fábrica Michelin se abre al público, Trento, 2006).

Abstract The aim of studying a selection of Lara Almarcegui's (Zaragoza, 1972) projects, whose motif relate to theearthand thesubsoil, is to show how these two elements are used in her artwork as a means to gain knowledge and understanding of a particular place . "Land" becomes a space and tool to position oneself and question the urban order, where elements apparently alien to the dynamics of cities, such as plots, wastelands, tunnels, construction materials or urban gardens, become the focus of her artistic proposals. The land is no longer used exclusively for the production of artistic objects or for the representation of the territory, but either tograspthese places, as it happens inMadrid Subterráneo(2012), to preserve them (Matadero de Arganzuela, 2005-2006)or for the production of experiences and the creation of community ties (Ex-Michelin Wasteland Opens to the Public,Trento, 2006).

Nano4814: más allá del graffiti

Resumen El presente artículo tiene como objetivo analizar la producción plástica de Nano4814 (Vigo, 1978), un artista proveniente de la escena del graffiti y el skateboarding vigués de mediados de los 90, y considerado pionero del postgraffiti en Galicia en la primera mitad de la década de los 2000 junto a los Niños Especiales. Para ello he realizado un recorrido por distintas etapas en las que su obra ha evolucionado desde propuestas más cercanas al graffiti tradicional hasta instalaciones que combinan aspectos pictóricos y escultóricos, dentro de un peculiar lenguaje en el que destacan una serie de elementos recurrentes.

Abstract This article aims to analyze the plastic production of Nano4814 (Vigo, 1978), an artist from the Vigo graffiti and skateboarding scene of the mid-90s, and considered a pioneer of postgraffiti in Galicia in the first half of the decade of the 2000 with the Special Children. To do this, I have made a tour through different stages in which his work has evolved from proposals closer to traditional graffiti to installations that combine pictorial and sculptural aspects, within a peculiar language in which a series of recurring elements stands out.

Debris: un ejemplo de recolección

Resumo Este artículo se centra en el estudio de la obra de la artista sevillana Julia Llerena en relación a la práctica artística de la recolección de detritus. El objetivo del artículo se centra en desplegar las principales ideas que surgen en torno al concepto de recolección y acumulación de objetos a través de la obra de Julia Llerena dejando entrever la mirada de la artista como arqueóloga del presente. La práctica de la recolección es una tendencia artística actual en la que se encuentran diversos referentes de artistas que trabajan en este ámbito a nivel mundial fruto de los descartes de objetos, desperdicios y basura en general que generan las sociedades consumistas contemporáneas.

Abstract This article focuses on the study of the work of the Sevillian artist Julia Llerena in relation to the artistic practice of collecting detritus. The aim of the article focuses on displaying the main ideas that arise around the concept of collection and accumulation of objects through the work of Julia Llerena, revealing the gaze of the artist as an archaeologist of the present. The practice of collecting is a current artistic trend in which there are various references of artists who work in this field worldwide as a result of the discarding of objects, waste and garbage in general that contemporary consumerist societies generate.

Construcciones y performances II: los refugios de A. Framis

Resumen Alicia Framis es una artista cuya obra combina nuevos y tradicionales medios del arte, la comunicación y la cultura visual para encarar aspectos diversos de la existencia humana en la urbe contemporánea. Una parte significativa de sus proyectos responde a la realización de construcciones simbólicas destinadas a la performance. En un artículo anterior se examinaron las construcciones textiles o series de indumentarias de la artista confeccionadas para este fin. En el presente, se lleva a cabo una aproximación sobre las construcciones espaciales o instalaciones de Framis, ideadas con una finalidad análoga, la acción y la experiencia compartida; ensayos visuales o experimentos espaciales que nos invitan a reconsiderar nuestros hábitos de vida y salvaguar nuestra humanidad

Abstract Alicia Framis is an artist who combines new and traditional means of art, communication and visual culture to confront many faces of contemporary human existence in the city. A significant part of her projects involves the realisation of symbolic constructions for performance. A preceding article examined the artist's textile constructions or series of garments made for this purpose. In this article, we approach Framis' spatial constructions or installations designed for an analogous objective, the action and the shared experience; visual essays or space experiments calling us to reconsider our lifestyle and safeguard our humanness.

Inhabiting “empties”: between places and memories of Alberto Bitar

Resumo O texto aborda o fotofilme “Vazios” (2012), composto por outros dois justapostos “Todo o Vazio” (2011) e “Qualquer Vazio” (2011), do artista brasileiro Alberto Bitar, enquanto um exercício poético sobre as dimensões do habitar no cotidiano. Entre o quadro estático e a sucessão de imagens, a fotografia e o filme, Bitar desequilibra a estabilidade das linguagens e usa a transversalidade como lógica operacional. Entre contração e distensão, o interior e o exterior, a narrativa evoca tempos vividos, que recuperam e acumulam o passado sobre o presente (Bergson, 1999) a partir de um arquivo imagético do artista, enquanto questiona as relações entre lugares e memórias, ficção e realidade.

Abstract The text addresses the photofilm “Vazios” (2012), composed of two other juxtaposed “Todo o Vazio” (2011) and “Qualquer Vazio” (2011), by the Brazilian artist Alberto Bitar, as a poetic exercise on the dimensions of inhabiting in daily. Between the static picture and the succession of images, the photography and the film, Bitar unbalances the stability of languages and uses transversality as an operational logic. Between contraction and distension, the interior and the exterior, the narrative evokes times lived, which recover and accumulate the past over the present (Bergson, 1999) starting from an artist's image archive, while questioning the relationships between places and memories, fiction and reality.

Limitar, contener y proteger: tres funciones básicas de la piel y su representación en la escultura de Nora Aurrekoetxea

Resumen Este artículo estudia algunas de las obras de la artista contemporánea Nora Aurrekoetxea en relación a los textos del psicoanálisis y la filosofía sobre la importancia de la piel y el tacto en la construcción de la identidad y las relaciones sociales íntimas. A lo largo de los diferentes apartados, observaremos cómo el deseo erótico es dependiente del intersticio entre amante y ser amado y provoca una crisis violenta entre las fronteras para la cual la protección se vuelve necesaria.

Abstract This article examines some of the artworks of the contemporary artist Nora Aurrekoetxea in relation to psychoanalytical and philosophical texts regarding the centrality of skin and touch in the construction of identity and intimate social relations. Throughout different sections, we will observe how erotic desire is dependent on the interstice between lover and loved one and provokes a violent crisis between frontiers for which protection becomes necessary.

Disecciones: práctica y deseo en la obra artística de Daniel Tejero Olivares

Resumen Daniel Tejero es artista plástico e investigador. Catedrático de escultura en la facultad de Bellas Artes Miguel Hernández de Elx y director del grupo de investigación “FIDEX”, Figuras del Exceso y Políticas del Cuerpo, en la Universidad Miguel Hernández. Con una trayectoria de más de 20 años en las que ha realizado innumerables exposiciones, tanto individuales como colectivas, así como diversas publicaciones y simposios. Articulado por series, su obra ha evolucionado desde la preocupación por el cuerpo y las temáticas de sexo, género y sexualidad, hasta la celebración del deseo y de los placeres, siempre de forma ascendente y con una mirada abierta y holística. Sus líneas de trabajo han estado relacionadas con las identidades sexuales.

Abstract Daniel Tejero is a plastic artist an investigator. Professor of sculpture at Miguel Hernandez de Elx Faculty of Fine Arts and director of the research group “FIDEX” Figures of Excess and Body Policies at Miguel Hernandez University. With a trajectory of more than 20 years in which he has made countless individual and group exhibitions, as well as various publications and symposia. Articulated by series, his work has evolved from concern for the body and the themes of sex, gender and sexuality, to the celebration of desire and pleasures, always in an ascending way and with an open and holistic gaze. His lines of work have been related to sexual identities.

Yoko Nishio: the hand as a possible support for death, life and action in times of pandemic

Resumo Este artigo propõe uma reflexão sobre uma série de desenhos da artista visual brasileira Yoko Nishio, realizados diariamente, durante a pandemia da Covid-19 no ano de 2020. Ela publicou um Diário de Quarentena, a partir do mês de março, em sua timeline do Facebook, que se prolongou até dezembro deste ano. Pretende-se analisar o seu processo artístico neste contexto, verificando como a Arte pode se manifestar, mesmo com a ausência de materiais específicos e de espaços usualmente necessários aos artistas. Yoko Nishio utilizou a sua própria mão como o suporte destes desenhos efêmeros, em uma poética artística de superação do caos quotidiano.

Abstract This article proposes a reflection on a series of drawings by the Brazilian visual artist Yoko Nishio, made daily during the Covid-19 pandemic in 2020. She published a Quarantine Diary, which has started in March on her Facebook’s timeline and lasted until December of this year. It is intended to analyze her artistic process in this context, verifying how Art can manifest itself, even with the absence of specific materials and spaces usually necessary for artists. Yoko Nishio used his own hand as the support of these ephemeral drawings, in an artistic poetics of overcoming everyday chaos.

Ana Gallardo: De objetos apropiados, mudanzas perpetuas y otras orfandades

Resumen Este trabajo propone un acercamiento a algunas obras de la artista argentina Ana Gallardo en las que muebles y objetos de uso habitual en el espacio doméstico aparecen desfuncionalizados, para aludir a fragmentos de su propia biografía. Se enfatizan las estrategias poético-performativas que configuran el rasgo distintivo de los modos de hacer de Gallardo, que operan en estas producciones como ejercicios de sanación y reivindicación de la memoria personal.

Abstract This work attempts an approach to some pieces by the Argentine artist Ana Gallardo in which furniture and objects of regular use in the domestic space appear defunctionalized, to refer to fragments of her own biography. The poetic-performative strategies that make up the distinctive feature of Gallardo's ways of doing are emphasized, which operate in these productions as healing and claim of personal memory exercises.

A cinema made of love

Resumo O artigo aborda o documentário Cinema de amor (2019), dirigido por Edson Bastos e Henrique Filho, que pautam o ato criativo documental em um modelo híbrido entre ficção e o documentário. Cinema de amor, recorre ao uso do aparelho celular como meio de autorrepresentação para retratar e expor a rotina do casal de diretores, protagonistas do seu próprio cotidiano, em que sob a forma de um diário íntimo refletem o contexto da produção do cinema brasileiro em tempo de cortes de verbas públicas para o audiovisual e de proliferação do discurso de ódio para as comunidades LGBTQ+, o que faz do filme um oportuno registro histórico de um período.

Abstract This article addresses the documentary Cinema de Amor (2019), directed by Edson Bastos and Henrique Filho, which guide the creative documentary act in a hybrid model between fiction and documentary. "Cinema de Amor" uses a cell phone as a means of self-representation to portray and expose the routine of a couple of directors, protagonists of their own daily lives, in which, in the form of an intimate diary, they reflect the context of Brazilian cinema production in times of budget cuts for film and audiovisual in the public sector and proliferation of hate speech for LGBTQ+ communities, which makes the film an opportune historical record of a period.

A feminine perspective: María Lorenzo Hernández

Resumo Este artigo objetiva apresentar o trabalho de María Lorenzo Hernández, e como este carrega em si um olhar feminino e particular. Através de uma luta entre a definição da imagem fotográfica e a dissolução do movimento da mancha, ou da linha animada. Suas obras são analisadas através dos estudos de Gilbert Durand, sobre o Regime Noturno das imagens. Portanto, através desta vertente é possível perceber toda uma coleção de símbolos "noturnos" assim como o desenvolvimento do trabalho da artista.

Abstract This article aims to present the work of María Lorenzo Hernández, and how it carries a feminine and particular point of view. Through a struggle between the definition of the photographic image and the dissolution of the movement of the blurs, or the animated line. Her works are analyzed through the studies of Gilbert Durand, on the nocturnal regime of images. Therefore, it is through this aspect that it is possible to perceive a whole collection of "nocturnal" symbols as well as the development of the artist's work.