Convergências - Revista de Investigação e Ensino das Artes

Emotional Colour Palette of Visually Impaired Individuals Through Sense of Touch in Daily Wear Garments

Abstract The sense of touch elicits various flows of thoughts and feelings unique to everyone specifically for visually impaired individuals. It shows in different research that different emotions arise in response to touching various textures. This research paper attempts to delve into the diverse emotional experiences of visually impaired individuals when they interact with different-coloured fabrics through tactile sensation. Despite their visual impairment, these individuals possess a keen sensory ability to discern textures of different types of fabrics in daily wear garments. This research is using user experience methodology and questionnaire method (5-point Likert scale tool) for the collection of the data. The primary focus lies on elucidating the emotional impact of design on the daily lives of visually impaired individuals. The author selects fabrics, including a 100% Viscose T-shirt in white and black, 100% polyester T shirt in beige and green, 100% cotton T-shirt in yellow and blue and 100% Linen casual wear shirt in white and each fabric category maintains consistent quality. The Plutchik Wheel of Emotions is using in this research to select emotions, specifically focusing on the 8 basic emotions. Memory, cultural associations, and individual preferences also significantly influence the emotional experiences in tactile fabric perception. The results indicate that the 100% linen casual wear shirt in white and black evokes the same loathing emotion, while the 100% cotton T-shirt in yellow elicits ecstasy, with blue prompting admiration. The 100% polyester T shirt in beige and green also induces ecstasy but the level of ecstasy is more in green. Additionally, the 100% viscose T-shirt in black and white triggers ecstasy, with the highest intensity observed in the white T-shirt. These findings give the emphasize and connection between tactile sensation, fabric properties, and emotional responses in visually impaired individuals.

Resumo O sentido do tato provoca vários fluxos de pensamentos e sentimentos únicos para cada pessoa, especificamente para indivíduos com deficiência visual. Diferentes pesquisas mostram que diferentes emoções surgem em resposta ao toque em várias texturas. Este trabalho de pesquisa tenta aprofundar as diversas experiências emocionais de indivíduos com deficiência visual quando interagem com tecidos de cores diferentes por meio da sensação tátil. Apesar da deficiência visual, esses indivíduos possuem uma capacidade sensorial aguçada para discernir texturas de diferentes tipos de tecidos em roupas de uso diário. Esta pesquisa utiliza metodologia de experiência do usuário e método de questionário (ferramenta em escala Likert de 5 pontos) para a coleta de dados. O foco principal está em elucidar o impacto emocional do design na vida cotidiana dos deficientes visuais. O autor seleciona tecidos, incluindo uma camiseta 100% viscose em branco e preto, uma camiseta 100% poliéster em marrom e verde, uma camiseta 100% algodão em amarelo e azul e uma camiseta casual 100% linho em branco e cada categoria de tecido mantém qualidade consistente. A Roda das Emoções de Plutchik está sendo usada nesta pesquisa para selecionar emoções, focando especificamente nas 8 emoções básicas. Memória, associações culturais e preferências individuais também influenciam significativamente as experiências emocionais na percepção tátil do tecido. Os resultados indicam que a camisa casual wear 100% linho nas cores branca e preta evoca a mesma emoção de ódio, enquanto a camiseta 100% algodão na cor amarela provoca êxtase, com o azul provocando admiração. A camiseta 100% poliéster nas cores marrom e verde também induz ao êxtase, mas o nível de êxtase é mais no verde. Além disso, a camiseta 100% viscose nas cores preta e branca provoca êxtase, com maior intensidade observada na camiseta branca. Essas descobertas dão ênfase e conexão entre a sensação tátil, as propriedades dos tecidos e as respostas emocionais em indivíduos com deficiência visual.

Brazilian Amazon: the legacy of Portuguese colonial culture in the tropics, valued through strategic design.

Resumo A difusão do turismo no Brasil favorece o desenvolvimento econômico em diversas regiões, repercutindo, de modo considerável nos estados que integram a Amazônia legal. Porém no estado do Maranhão, o segmento destinado à visita do acervo arquitetônico e urbanístico colonial, tem retraído com a procura por locais de beleza natural. O trabalho contribuiu para a valorização do legado histórico através do desenvolvimento de projeto gráfico, com o objetivo de incentivar a visita dos monumentos turísticos na cidade de São Luís. Foi aplicada a metodologia de design, “painel semântico do público-alvo. As zonas urbanas com potencial de visita turística, foram identificados e estabelecidos dois roteiros para a visita do patrimônio oriundo da colonização portuguesa. Para cada monumento escolhido, foi desenvolvido um carimbo de visita com características próprias do lugar, possíveis de serem aplicados também em souvenires. Os resultados foram analisados conforme os parâmetros de Clive Ashwin (1979), seguindo as diretrizes definidas por Lócio (2019). Apesar dos resultados não terem sido implantados, é notório que podem incentivar a visita e contribuir com a economia local.

Abstract The spread of tourism in Brazil favors economic development in several regions, with a considerable impact on the states that make up the Legal Amazon. However, in the state of Maranhão, the segment destined for visiting the colonial architectural and urban heritage has declined due to the demand for places of natural beauty. The work contributed to the valorization of the historical legacy through the development of a graphic project, with the objective of encouraging visits to tourist monuments in the city of São Luís. The design methodology, “semantic panel of the target audience. The urban areas with potential for tourist visitation, were identified and two itineraries established for visiting the heritage originating from the Portuguese colonization. For each chosen monument, a visitation stamp was developed with characteristics specific to the place, which can also be applied to souvenirs. The results were analyzed according to the parameters of Clive Ashwin (1979), following the guidelines defined by Lócio (2019). Although the results were not implemented, it is clear that they can encourage visitation and contribute to the local economy.

Why Refashion? Fashion, Poetics and Hybridization of Creative Methods for a Sustainable Future.

Abstract Although in the last 10 years collaborative design and design for sustainability processes have been increasingly used, there is still a great of lack of knowledge and precision in the development of precise collaborative methodologies and holistic applications of sustainable hybrid techniques that favor the development of co-creative and generative circular processes. The paradox of fast fashion and the pursuit of modernity, coupled with the need to care for the earth's resources in a sustainable manner that includes social, economic and environmental impacts, is a difficult dilemma to solve. Some studies have proposed exploring upcycling circular design processes; however, their methodological limitations and the absence of a clear and oriented design thinking process restrict them to seek the inspiration from textile waste in an artisanal perspective. These development processes are often imprecise in their methodology and accidental in their creation process, which generates little credibility, communicative security and didactic replication in the classroom. In addition, the lack of precision and fine-tuning brings them closer to artisanal technical methods, lacking rigorous narrative logic and holistic design thinking. This research explored the design for sustainability processes, focusing on finding collaborative methodologies of rigorous design thinking that would help students explore and strengthen their individual and group identities by applying sustainable hybridization techniques throughout the design process. The focus was on how we educate designers for a sustainable and collaborative future. We built a collaborative methodological conceptual model of sustainable approach that was tested in different projects over different academic years. The results demonstrate that the implementation of collaborative methodologies with sustainable approaches in the application of specific eco-design techniques and the construction of a group identity based on research, assignment analysis, and the use of creative techniques and tools that generate reflective learning contribute to the collaborative methodologies and to the effective implementation of this methodology in the teachings of fashion design with a circular approach.

Resumo Embora, nos últimos 10 anos, os processos de design colaborativo e design para a sustentabilidade tenham sido cada vez mais utilizados, ainda há uma grande falta de conhecimento e precisão no desenvolvimento de metodologias colaborativas precisas e aplicações holísticas de técnicas híbridas sustentáveis que favoreçam o desenvolvimento de processos circulares co-criativos e generativos. O paradoxo da Fast Fashion e a busca pela modernidade, juntamente com a necessidade de cuidar dos recursos da Terra de maneira sustentável, que inclui impactos sociais, econômicos e ambientais, é um dilema difícil de resolver. Alguns estudos propõem a exploração de processos de design circular de upcycling, mas as suas limitações metodológicas e a falta de um processo claro de pensamento orientado para o design, condiciona-os a buscar inspiração nos resíduos têxteis encontrados, trabalhando sob uma perspectiva artesanal. Esses processos de desenvolvimento geralmente são imprecisos na sua metodologia e acidentais no seu processo de criação, o que gera pouca credibilidade, segurança na comunicação e replicabilidade didática em sala de aula. Além disso, a falta de precisão e aperfeiçoamento aproxima-os de métodos técnicos artesanais, sem uma lógica narrativa rigorosa e sem um pensamento holístico de design. Esta pesquisa explorou os processos de design para a sustentabilidade, com foco em encontrar metodologias colaborativas sustentáveis de pensamento de design rigoroso que ajudem os alunos a explorar e fortalecer suas identidades individuais e coletivas, aplicando técnicas híbridas sustentáveis ao longo de todo o processo de design. O foco está em como educamos os designers para um futuro sustentável e colaborativo. Assim construímos um modelo metodológico conceitual colaborativo de abordagem sustentável, que foi testado em diferentes projetos ao longo de vários anos acadêmicos. Os resultados demonstram que a implementação de metodologias colaborativas com abordagens sustentáveis na aplicação de técnicas específicas de ecodesign e na construção de uma identidade de grupo baseada em pesquisa, análise de tarefas e uso de técnicas e ferramentas criativas que geram aprendizagem reflexiva contribuem para as metodologias colaborativas e para a implementação efetiva desta metodologia no ensino do design de moda com abordagem circular.

The Sustainable Transition Comp. A competence framework to drive sustainability through the lenses of design and organisational culture

Abstract This article presents and discusses a research study aiming to define a competence framework for sustainability training and capacity building in the specific context of manufacturing companies. It introduces the Sustainable Transition Comp (ST Comp), a competence framework developed under the ECODeCK project. The ST Comp is designed specifically for sustainability training and capacity building in the manufacturing sector. It adapts the Green Comp framework, originally developed by the European Joint Research Center, to meet the unique needs of Italian manufacturing companies. The framework was developed through a three-step process-analysis, synthesis, and refinement-guided by two key lenses: organisational culture and design. These lenses ensured the framework's relevance and applicability across various organisations. By incorporating design principles, ST Comp transcends traditional disciplinary boundaries, offering a holistic approach to addressing complex sustainability challenges. The framework identifies 11 competencies organised into four areas: Values Pillars for Sustainability, Thinking Style for Sustainability, Design Processes for Sustainability, and Agency for Sustainability. Each competency integrates knowledge, skills, and attitudes essential for promoting sustainable practices and driving innovation. ST Comp serves as a guide for creating design-based training initiatives, empowering employees to embed sustainability into their daily operations, and supporting the transition to more sustainable and circular business models in the manufacturing industry.

Resumo Este artigo apresenta e discute um estudo de investigação com o objetivo de definir um quadro de competências para a formação e capacitação em sustentabilidade no contexto específico das empresas industriais. Introduz o Sustainable Transition Comp (ST Comp), um quadro de competências desenvolvido no âmbito do projeto ECODeCK. O ST Comp foi concebido especificamente para a formação em sustentabilidade e o desenvolvimento de capacidades no sector da indústria transformadora. Adapta o quadro Green Comp, originalmente desenvolvido pelo Centro Comum Europeu de Investigação, para satisfazer as necessidades específicas das empresas italianas do sector transformador. A estrutura foi desenvolvida através de um processo de três etapas - análise, síntese e refinamento - orientado por duas lentes-chave: cultura organizacional e design. Estas lentes garantiram a relevância e a aplicabilidade da estrutura em várias organizações. Ao incorporar princípios de design, o ST Comp transcende as fronteiras disciplinares tradicionais, oferecendo uma abordagem holística para enfrentar desafios complexos de sustentabilidade. O quadro identifica 11 competências organizadas em quatro áreas: Pilares de Valores para a Sustentabilidade, Estilo de Pensamento para a Sustentabilidade, Processos de Conceção para a Sustentabilidade e Agência para a Sustentabilidade. Cada competência integra conhecimentos, aptidões e atitudes essenciais para promover práticas sustentáveis e impulsionar a inovação. O ST Comp serve de guia para a criação de iniciativas de formação baseadas na conceção, capacitando os trabalhadores para integrarem a sustentabilidade nas suas operações diárias e apoiando a transição para modelos de negócio mais sustentáveis e circulares na indústria transformadora.

Exploratory Study of Didactic Tools for the Development of a Mobile Application Focused on Empathetic Relationships Between Caregivers and People with Dementia

Resumo O aumento da esperança de vida tem potenciado o número de diagnósticos de demência, condição que frequentemente implica dependência total de cuidadores. As tecnologias, nomeadamente aplicações móveis, surgem como ferramentas de apoio relevantes. Este artigo insere-se numa investigação de mestrado que visa desenvolver, com base na metodologia Design Thinking, um calendário interativo adaptado. A presente publicação incide sobre a fase exploratória do projeto, centrada na análise qualitativa de sete ferramentas didáticas, segundo as Dementia Digital Design Guidelines de Rik Williams. Os resultados evidenciam boas práticas e limitações, identificando características cruciais para soluções digitais mais adequadas às necessidades cognitivas e emocionais de pessoas com demência, contribuindo para um design mais inclusivo e eficaz da aplicação que se pretende desenvolver.

Abstract The increase in life expectancy has contributed to a growing number of dementia diagnoses, a condition that often results in complete dependence on caregivers. Technology, particularly mobile applications, has emerged as a valuable support tool in this context. This article is part of a master’s research project aimed at developing an adapted interactive calendar, based on the Design Thinking methodology. The present publication focuses on the exploratory phase of the project, which involved a qualitative analysis of seven educational tools, evaluated according to Rik Williams’ Dementia Digital Design Guidelines. The results highlight both good practices and limitations, identifying key characteristics for digital solutions that better address the cognitive and emotional needs of people with dementia. These insights contribute to a more inclusive and effective design of the application to be developed.

Animal representations and forms of speciesism in Environmental Studies Textbooks for the First Cycle of Basic Education in Portugal: Exploring (In)Visibilities, Ethical Implications and Arts Education

Resumo Segundo John Berger (2020), em Porquê Olhar os Animais?, o olhar entre o animal humano e o não humano perdeu-se. Tal perda histórica tornou-se irremediável para uma ideia de cultura contemporânea baseada no extrativismo capitalista e em formas imagéticas e ideológicas de dissociação cognitiva e entorpecimento psíquico (Joy, 2018). Pode argumentar-se que um tal entorpecimento se constituiu num forte instrumento de poder ao serviço de uma história de abuso e violência, da qual derivam os atuais sistemas de exploração animal e de produção intensiva dos seus modos de vida e sofrimento (Winters, 2023). Considerada do ponto de vista moral, a questão do superior interesse do animal coloca-nos perante a problemática do especismo (Singer, 2008) e suas heranças antropomórficas (Agamben, 2002; Berger, 2020), ambas inscritas numa pedagogia que objetifica, desindividualiza e dicotomiza a perceção dos animais, sujeitando-nos, por conseguinte, a questionar as qualidades da nossa própria espécie e o princípio ético que inevitavelmente a afeta. Este artigo resulta do projeto de investigação “[in]visible - (in)visibilidades das identidades nos manuais escolares de Estudo do Meio a partir de 1974 em Portugal”, desenvolvido entre 01.01.2023 e 08.31.2024 ([in]visible - 2022.05056.PTDC, financiado pela Fundação para a Ciência e Tecnologia [1]). Como tal, pretende refletir nas representatividades imagéticas presentes num manual escolar do 1º ciclo do ensino básico - Plim!, e de que modo tais imagéticas educam, reproduzem e naturalizam narrativas sobre a condição animal.

Abstract In Why Look at Animals? (2020), John Berger argues that the mutual gaze between the human and the non-human animal has been lost. This historical rupture, he suggests, has become irreversible within a contemporary cultural landscape shaped by capitalist extractivism and characterised by visual and ideological forms of cognitive dissociation and psychic numbing (Joy, 2018). It can be argued that this numbing has functioned as a powerful mechanism of control, sustaining a long-standing history of abuse and violence that underlies current systems of animal exploitation and the industrial production of their lives and suffering (Winters, 2023). From an ethical standpoint, the notion of the animal’s best interest brings to the fore the problem of speciesism (Singer, 2008) and its anthropocentric legacies (Agamben, 2002; Berger, 2020). These legacies are embedded in pedagogical approaches that objectify, de-individualise, and fortify binary perceptions of animals, prompting us to question not only our relationship with other species but also the ethical foundations of our own. This article results from the research project “[in]visible - (in)visibility of identities in Environmental Studies textbooks published in Portugal since 1974”, developed between 01.01.2023 and 08.31.2024 ([in]visible - 2022.05056.PTDC, funded by FCT: Foundation for Science and Technology 1). It examines the visual representations in a primary school textbook - Plim!, exploring how such imagery contributes to the construction, reinforcement, and naturalization of specific narratives about the animal condition.

Espacio de práctica para el design thinking. Actividades formativas y herramientas para enseñar a definir problemas.

Abstract This study employs the metaphor of a “playground” to investigate how effective learning environments, along with situated guides and tools, can support non-design students in engaging with the early phases of the design process, specifically design research and problem framing. Drawing upon theoretical frameworks and the authors’ practical experience in applying and teaching design thinking, the research presents a structured, yet flexible, toolkit designed to assist educators in facilitating design-based learning for students with non-design backgrounds. The toolkit was developed and iteratively refined through an action research process conducted across three academic courses. Emphasising empathy, ambiguity navigation, and creative exploration, the toolkit aims to foster design mindsets and enhance students’ problem-framing capabilities. The findings include both practical outcomes, such as the toolkit and associated methods, and pedagogical insights relevant to educators and researchers implementing design thinking in non-design contexts. By examining the opportunities and challenges of transferring design thinking methodologies and practices across disciplines, this study contributes to the broader discourse on design pedagogy and its role in non-design education contexts.

Resumen Este estudio emplea la metáfora de un “parque de juegos” para investigar cómo los entornos de aprendizaje efectivos, junto con guías y herramientas situadas, pueden apoyar a estudiantes sin formación en diseño en el abordaje de las fases iniciales del proceso de diseño, específicamente la investigación en diseño y la formulación del problema. Basándose en marcos teóricos y en la experiencia práctica de los autores en la aplicación y enseñanza del pensamiento de diseño, la investigación presenta un conjunto de herramientas estructurado pero flexible, diseñado para ayudar a los educadores a facilitar el aprendizaje basado en el diseño para estudiantes de disciplinas no relacionadas con el diseño. Este conjunto fue desarrollado y refinado de forma iterativa a través de un proceso de investigación-acción llevado a cabo en tres cursos académicos. Haciendo hincapié en la empatía, la gestión de la ambigüedad y la exploración creativa, el conjunto de herramientas tiene como objetivo fomentar una mentalidad de diseño y mejorar la capacidad de los estudiantes para enmarcar problemas. Los resultados incluyen tanto productos prácticos, como el conjunto de herramientas y los métodos asociados, como también aportes pedagógicos relevantes para educadores e investigadores que implementan el pensamiento de diseño en contextos ajenos al diseño. Al examinar las oportunidades y desafíos de transferir metodologías y prácticas del pensamiento de diseño a través de distintas disciplinas, este estudio contribuye al discurso más amplio sobre la pedagogía del diseño y su papel en contextos educativos no vinculados al diseño.

Microwave technology and new approaches to higher education in artistic casting. Case study at the Faculty of Fine Arts of the University of Porto.

Resumo A técnica experimental apresentada, visa simplificar as infraestruturas necessárias à criação de peças artísticas em metal. O necessário e tradicional tratamento térmico de cozedura de moldes, na fundição de metais, tem possibilidade de evolução, a partir do uso de fornos de micro-ondas convencionais. Para explorar essa alternativa, ao nível da sua aplicação ao ensino da tecnologia da fundição, no ensino superior, foi realizado um workshop, com carácter de inovação pedagógica, na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, reunindo participantes de diferentes níveis de ensino e ligações ao ensino artístico. O objetivo principal foi avaliar, em contexto real, a aplicação desta possibilidade técnica, identificando necessidades de infraestrutura e compreendendo as vantagens e desvantagens pedagógicas dessa abordagem no ensino da tecnologia de fundição de metais, em contexto de ensino/aprendizagem universitário. Neste sentido, ao estímulo à produção criativa dos participantes, associaram-se outros dados, a partir de inquéritos. Estes, permitiram registar o grau de conhecimento anterior e posterior à participação no workshop. A relação de conforto e perspicuidade na aprendizagem neste contexto. O artigo apresenta a estratégia adotada, os dados da investigação base e os resultados do workshop. Insere-se, no necessário debate sobre a atualização dos métodos de ensino e evolução da oferta de formação universitária, na procura de soluções adaptadas à realidade contemporânea, conciliando saberes tradicionais com inovações tecnológicas. Por fim, ambiciona estimular a integração da tecnologia de fundição de metais, em ateliês de autor, mesmo com restrições técnicas, para alavancar novas investigações e desenvolvimentos.

Abstract Based on previous research, in which an innovative technique was developed to replace traditional heat treatments for firing moulds, applied to metal casting, with conventional microwave ovens. With the aim of simplifying the infrastructures required to obtain artistic pieces in metal, a workshop with a pedagogical innovation character was held with several participants from different levels of higher education and links to artistic education, at the Faculty of Fine Arts of the University of Porto. The main objectives were to analyse a real application scenario, with a survey of the workshop support needs and possible results, trying to understand the advantages and disadvantages to metal casting technology teaching/learning university context. In this sense, participants were also asked for information, through surveys, to better compare the level of knowledge before and after participating in the workshop and the relationship of comfort and perspicuity in learning in this context. This work managed to analyze and expose a concrete strategy adapted to higher education in artistic casting. This innovation strategy has been successfully disseminated in a specific context, expanding casting training to places where such training does not normally occur. Participants reported artistic casting learning as well as interdisciplinary learning and technical research methodology, as well as motivation to use new technologies after participating in this experiment.

Dressing for Invisibility on Portuguese Seventh Art

Resumo O presente estudo analisa o poder comunicativo do figurino no cinema com um foco numa peça de vestuário específica: minissaia como signo dentro do contexto cinematográfico. Com base nas teorias de Umberto Eco e Roland Barthes, o trabalho sublinha como o figurino funciona não apenas como um elemento prático ou estético, mas também como portadora de significados culturais e simbólicos, peça material na construção de significados e significantes imateriais. Ao analisar a minissaia no cinema, o estudo destaca o papel do figurino como um signo que interage com a narrativa, o desenvolvimento das personagens e a perceção do público. A minissaia, como peça de vestuário relativamente recente, carrega uma gama de conotações que vão além de suas características físicas, transfigurando-se de forma diferente dependendo dos contextos. O conceito de "invisibilidade" no figurino é discutido, com atenção especial à forma como a sutileza no figurino contribui para a coerência narrativa. No entanto, quando o simbolismo de uma peça de vestuário é excessivo ou discordante com as expectativas do público, a mensagem do filme pode ser alterada. Este artigo apresenta uma abordagem original da minissaia enquanto signo “invisível” no cinema português, analisando como a sua presença subtil, ainda que carregada de significados sociais e culturais, contribui para a construção narrativa e para a caracterização das personagens, num contexto em que o papel simbólico do figurino, e em particular da minissaia, permanece ainda pouco explorado, procurando assim colmatar essa lacuna na investigação académica. O trabalho conclui que o sucesso da comunicação de um figurino depende da familiaridade do espectador com os significados culturais associados à peça, e que o figurino desempenha um papel crucial na conexão entre moda, cinema e discurso social. A minissaia serve como um estudo de caso para destacar as diferentes interpretações do significado de uma peça de vestuário ao longo do tempo e em contextos sociais diversos.

Abstract The present study analyzes the communicative power of costume design in cinema, focusing on a specific piece of clothing: the miniskirt as a sign within the cinematic context. Based on the theories of Umberto Eco and Roland Barthes, the work emphasizes how costume design functions not only as a practical or aesthetic element but also as a bearer of cultural and symbolic meanings, a material piece in the construction of immaterial meanings and signifiers. By analyzing the miniskirt in cinema, the study highlights the role of costume design as a sign that interacts with the narrative, character development, and audience perception. The miniskirt, as a relatively recent piece of clothing, carries a range of connotations that go beyond its physical characteristics, transforming differently depending on the contexts. The concept of "invisibility" in costume design is discussed, with special attention to how subtlety in costumes contributes to narrative coherence. However, when the symbolism of a garment is excessive or discordant with audience expectations, the film's message may be altered. This article presents an original approach to the miniskirt as an "invisible" sign in Portuguese cinema, analyzing how its subtle presence-though laden with social and cultural meanings-contributes to narrative construction and character development. It does so within a context where the symbolic role of costume design, and particularly of the miniskirt, remains underexplored, thus seeking to address this gap in academic research. The study concludes that the success of a costume's communication depends on the viewer's familiarity with the cultural meanings associated with the garment and that costume design plays a crucial role in the connection between fashion, cinema, and social discourse. The miniskirt serves as a case study to highlight the different interpretations of a garment's meaning over time and across diverse social contexts.

Beyond the catwalk. Designing fashion shows between ephemerality and responsibility

Abstract Fashion shows have been the subject of increasing critical attention for their environmental and symbolic impact, resulting emblematic of the contradictions of contemporary spectacular capitalism. While originally they were functional moments for the presentation of seasonal collections, today they are configured as real artistic productions with a high consumption of resources, often organised in exotic or symbolic places, with a significant ecological footprint. However, since the Covid-19 pandemic, there has been an intensification of reflection on the organisational methods and transformative potential of these events. This article analyses three emerging approaches that show concrete attempts to reconfigure fashion shows in an ecological and sustainable way: the use of nature as a performative setting, the aestheticisation of waste and the promotion of circularity. Through the critical analysis of case studies - from the fashion shows immersed in nature by Marine Serre and Jacquemus, to the use of recycled materials by Marni and Diesel, to the reuse and conscious design policies promoted by Bureau Betak, Prada and Spazio Meta - both the expressive potential and the structural limits of these practices are highlighted. In particular, the article emphasises how the sustainability of fashion shows cannot be addressed only as a technical issue, but implies a cultural, aesthetic and political rethinking of the very role of fashion within contemporary society. Fashion shows thus become not only brand communication tools, but also performative spaces in which new relationships between creativity, environment and cultural production are negotiated.

Resumo Os desfiles de moda têm sido alvo de uma atenção crítica crescente pelo seu impacto ambiental e simbólico, tornando-se emblemáticos das contradições do capitalismo espetacular contemporâneo. Se originalmente constituíam momentos funcionais de apresentação de colecções sazonais, hoje assumem a forma de verdadeiras produções artísticas com um elevado consumo de recursos, muitas vezes organizados em locais exóticos ou simbólicos, com uma pegada ecológica significativa. No entanto, desde a pandemia de Covid-19, intensificou-se a reflexão sobre a forma como estes eventos são organizados e o seu potencial transformador. O artigo analisa três abordagens emergentes que revelam tentativas concretas de reconfigurar os desfiles de moda de forma ecológica e sustentável: a utilização da natureza como cenário performativo, a estetização dos resíduos e a promoção da circularidade. Através da análise crítica de estudos de caso - desde os desfiles imersos na natureza da Marine Serre e da Jacquemus, passando pela utilização de materiais reciclados da Marni e da Diesel, até às políticas de reutilização e design consciente promovidas pelo Bureau Betak, Prada e Spazio Meta - são evidenciadas as potencialidades expressivas e os limites estruturais destas práticas. Em particular, o artigo sublinha como a sustentabilidade dos desfiles de moda não pode ser abordada apenas como uma questão técnica, mas implica um repensar cultural, estético e político do próprio papel da moda na sociedade contemporânea. Os desfiles de moda tornam-se assim não só instrumentos de comunicação das marcas, mas também espaços performativos onde se negoceiam novas relações entre criatividade, ambiente e produção cultural.

Modelado 3D, sostenibilidad y diseño de joyas. Una revisión bibliográfica sistemática

Abstract This paper proposes a systematic literature review (SLR) as a continuation of the research on gemstone drawing, building upon the outcomes of previous research conducted by the authors and expanding the field of inquiry to include sustainability issues in gemmology. The review conducted in order to analyze scientific contributions consistent with the international discussion on sustainability, also according to the Sustainable Development Goals, was limited to publications from the last decade. Having defined the specific areas of focus, as much related to the disciplinary field of design as to gemmology and sustainability, a qualitative-quantitative analysis was conducted on more than 700 articles. The analyses allowed the authors to discuss the geographical distribution of authors and the keywords identified, as well as to propose in-depth focuses for the categories “eco-design,” “gemmology,” “promotion,” and “innovation.” In particular, the latter noted how technological innovation applied to digital modeling can bring significant benefits to gemmology from a sustainability perspective, offering interesting insights for future development of the present research.

Resumen Este artículo propone una revisión bibliográfica sistemática como continuación de la investigación sobre el diseño de piedras preciosas, partiendo de los resultados de las investigaciones ya realizadas por los autores y ampliando el campo de investigación a las cuestiones de sostenibilidad en el ámbito de la gemología. La revisión realizada con el fin de analizar las contribuciones científicas coherentes con el debate internacional sobre las cuestiones de sostenibilidad, también en consonancia con los Objetivos de Desarrollo Sostenible, se limitó a las publicaciones de la última década. Una vez definidos los campos de estudio específicos, tanto los relacionados con el ámbito disciplinar del diseño como con el de la gemología y la sostenibilidad, se realizó un análisis cualitativo-cuantitativo de más de 700 artículos. El análisis permitió discutir la distribución geográfica de los autores y las palabras clave identificadas, así como proponer enfoques en profundidad para las categorías «ecodiseño», «gemología», “promoción” e «innovación». En particular, esta última señaló cómo la innovación tecnológica aplicada a la modelización digital puede aportar importantes beneficios a la gemología en términos de sostenibilidad, ofreciendo interesantes perspectivas para el desarrollo futuro de esta investigación.

Op Art: from optical illusion to the retino-neuro-physiological

Resumo Este artigo investia a relação dos efeitos óticos da Op Art na perceção visual e os seus efeitos no sistema retino-neuro-fisiológico, com o intuito de explorar e compreender os processos que desencadeiam as reações físicas e as sensações ilusórias no observador. A Op Art evidência que a realidade, incluindo ciência, são subjetivos. A perceção visual é individual, cada individuo tem a sua própria perceção e o nosso sistema retino-neuro-fisiológico confirma a natureza individual (o subjetivo) da observação. As leis científicas são construídas, através dos nossos sentidos, como a observação, que difere de pessoa para pessoa. Ao observar efeitos óticos como padrão moiré, imagens fantasmas, pós-imagens, cores equiluminates o corpo e a mente do observador experimentam uma nova realidade, que é desconhecida. A Op Art demonstra que não existe apenas uma realidade, mas múltiplas realidades e este enigma é o cunho da Op Art.

Abstract The relationship between the optical effects of Op Art on the retino-neuro-physiological system, which allows the visual perception possible, are investigated in this article, with the aim of exploring and understanding the processes that trigger physical reactions and illusory sensations in the observer. Op Art highlights that reality, including science, is subjective. Visual perception is individual, each individual has their own perception and our retino-neuro-physiological system confirms the individual nature (subjective) of observation. Scientific laws are constructed, through our senses, as an observation, which differs from person to person. When observing optical effects such as moiré patterns, ghost images, after-images, equiluminant colors, the body and mind of the observer experience a new reality, which is unknown. Op Art demonstrates that there is not just one reality, but multiple realities and this enigma is the hallmark of Op Art.