Revista Lusófona de Estudos Culturais (RLEC)/Lusophone Journal of Cultural Studies (LJCS)

Art, Education and Community

Participatory Artistic Literacy: A Proposal for Rethinking the Relationship Between People and Culture

Resumo Depois de o modelo da democratização da cultura ter sido a principal orientação das políticas culturais no Portugal democrático, o modelo da democracia cultural começa a surgir em alguns discursos políticos e documentos, como a Carta do Porto Santo, com a influência do instrumento político designado Plano Nacional das Artes, que é desenvolvido pelos Ministérios da Cultura e da Educação. O presente texto apresenta esses modelos, tendo como enquadramento a teoria de Pierre Bourdieu sobre o campo cultural e a proposta de democracia cultural de João Teixeira Lopes. Trata-se de uma análise qualitativa, que também pondera os dados dos resultados do inquérito às práticas culturais dos portugueses, de 2020. Considerando que, mais do que formar públicos, as políticas públicas devem procurar criar possibilidades de experimentação de diferentes práticas e manifestações artísticas e culturais para toda a população, fazendo jus à ambição de democracia cultural vigente, o texto apresenta a proposta conceitual de “literacia artística participativa” para falar sobre a relação entre as pessoas e a cultura. Assim, é defendido igualmente que a literacia artística participativa pode ser aplicada primeiramente em contexto escolar (recorrendo, por exemplo, às práticas desenvolvidas no âmbito do Plano Nacional das Artes), encontrando-se em linha com os pressupostos da democracia cultural.

Abstract Following a period in which the model of the democratisation of culture was the dominant framework guiding cultural policy in democratic Portugal, the model of cultural democracy has begun to emerge in certain political discourses and documents - such as the Porto Santo Charter - under the influence of the political instrument known as the National Plan for the Arts (Plano Nacional das Artes, PNA), developed by the Ministries of Culture and Education. This text presents both models, drawing on Pierre Bourdieu’s theory of the cultural field and João Teixeira Lopes’s proposal for cultural democracy. It provides a qualitative analysis that also considers data from the 2020 survey on the cultural practices of the Portuguese population. Arguing that public policy should aim not only to develop audiences but to create opportunities for the population as a whole to engage with diverse artistic and cultural practices and expressions - thus fulfilling the ambition of cultural democracy - the text introduces the conceptual proposal of “participatory artistic literacy” as a means of exploring the relationship between people and culture. It further argues that participatory artistic literacy can be initially applied in educational settings (drawing, for instance, on practices developed within the scope of the National Plan for the Arts), in line with the principles of cultural democracy.

Cinema and Virtual Reality in Art Education: Tools for Social and Cultural Integration

Resumo Este artigo propõe um debate sobre a experiência estética, mediada pela tecnologia, em ações pedagógicas com cinema e realidade virtual nas aulas de arte em escolas públicas brasileiras. Parte-se da problemática em torno da colonialidade, configurando-a como um meio de dominação que perpetua desigualdades sociais e culturais em países periféricos, utilizando-se da visualidade como mecanismo para classificar, hierarquizar e estetizar povos e seus territórios. Museus e cinemas, podem contribuir na recomposição do “direito a olhar” por promoverem contato com expressões de contravisualidade. Porém, uma das consequências da desigualdade estrutural são as dificuldades de acesso a estes espaços devido a problemas de mobilidade urbana e infraestrutura. A educação tem um papel importante em minimizar esses efeitos, promovendo experiências estéticas com as tecnologias de apreciação e produção de imagens. A hipótese central deste texto sugere que práticas pedagógicas envolvendo o cinema e a realidade virtual, pautadas por ações de apreciação e produção de imagens, podem promover a alteridade e expandir percepções subjetivas ao democratizar e capilarizar o acesso à arte. Por meio de um estudo bibliográfico, explora-se implicações ético-estéticas da produção de imagens em ações pedagógicas. As discussões dos resultados indicam que essa experiência estética imersiva permite que os estudantes desenvolvam e qualifiquem seus pontos de vista em busca do seu “direito a olhar”, potencializando uma conexão crítica e inclusiva com a cultura. Conclui-se que tais dispositivos tecnológicos, com a mediação adequada, possibilitam aos estudantes a apropriação de sua cultura e a criação de imagens que refletem suas identidades, tornando o processo de ensino-aprendizagem mais inclusivo e instaurando habitus que contribui para suspender hierarquias sociais e culturais.

Abstract This article discusses aesthetic experience mediated by technology in pedagogical practices involving cinema and virtual reality in art classes at Brazilian public schools. It departs from the issue of coloniality, framing it as a form of domination that perpetuates social and cultural inequalities in peripheral countries, employing visuality as a mechanism to classify, hierarchise, and aestheticise peoples and their territories. Museums and cinemas can contribute to restoring the ‘right to look’ by promoting contact with expressions of counter-visuality. However, one of the consequences of structural inequality is the difficulty of accessing these spaces due to problems with urban mobility and infrastructure. Education plays a key role in mitigating these effects by promoting aesthetic experiences through image appreciation and production technologies. The central hypothesis of this article is that pedagogical practices involving cinema and virtual reality, guided by image appreciation and production, may foster otherness and expand subjective perceptions by democratising and extending access to art. Through a bibliographical study, the article explores the ethical-aesthetic implications of image-making in pedagogical contexts. The discussion suggests that immersive aesthetic experiences allow students to develop and refine their viewpoints in pursuit of their “right to look”, thereby enhancing a critical and inclusive engagement with culture. It concludes that, when properly mediated, such technological tools enable students to appropriate their own culture and create images that reflect their identities, making the teaching-learning process more inclusive and establishing a habitus that contributes to suspending social and cultural hierarchies.

Bodies that Paint, Spaces that Feel

Resumo Este artigo investiga as experiências sensoriais e afetivas vivenciadas por estudantes do curso de Arquitetura e Urbanismo do Instituto Federal de Sergipe - campus Lagarto - durante a pintura coletiva de um mural em espaço acadêmico. A partir do referencial teórico de Juhani Pallasmaa, Maurice Merleau-Ponty, Baruch Espinoza e outros autores da fenomenologia e da filosofia da corporeidade, adota-se uma abordagem metodológica qualitativa, e a análise de conteúdo, conforme Laurence Bardin, para observação crítica dos dados coletados. Foram analisados relatos escritos espontaneamente pelos estudantes, que descreveram suas impressões, sensações e reflexões após a atividade prática. O objetivo foi identificar núcleos de sentido relacionados às emoções, sensações corporais e à apropriação simbólica do espaço vivido. Os resultados revelam que a experiência estética promoveu intensas vivências multissensoriais, ressignificação do espaço institucional e fortalecimento de vínculos afetivos e sociais entre os participantes. A escolha das cores, o uso do corpo em movimento e o envolvimento coletivo com a prática pictórica geraram um ambiente de aprendizagem que uniu expressão artística, reflexão teórica, afetividade e desenvolvimento pessoal. Dessa forma, defende-se que a arquitetura deve ser compreendida como campo sensível de experiências vividas e compartilhadas, e que práticas pedagógicas que envolvam a arte e a corporeidade podem contribuir decisivamente para a formação ética, perceptiva, crítica e sensível dos futuros arquitetos.

Abstract This article investigates the sensory and affective experiences of students in the Architecture and Urbanism programme at the Instituto Federal de Sergipe - Lagarto campus - during the collective painting of a mural in an academic space. Drawing on the theoretical framework of Juhani Pallasmaa, Maurice Merleau-Ponty, Baruch Spinoza, and other authors in phenomenology and the philosophy of embodiment, a qualitative methodological approach is adopted, combined with content analysis, as proposed by Laurence Bardin, for critical observation of the collected data. The study examined spontaneous written accounts produced by students, in which they described their impressions, sensations, and reflections following the practical activity. The objective was to identify core meanings related to emotions, bodily sensations, and the symbolic appropriation of lived space. The results reveal that the aesthetic experience fostered intense multisensory encounters, a re-signification of the institutional space, and the strengthening of affective and social bonds among participants. The choice of colours, the use of the moving body, and the collective engagement with the pictorial practice generated a learning environment that brought together artistic expression, theoretical reflection, affectivity, and personal development. Thus, it is argued that architecture should be understood as a sensitive field of lived and shared experiences, and that pedagogical practices involving art and embodiment can decisively contribute to the ethical, perceptual, critical, and sensitive formation of future architects.

Teaching and Learning with Clay: Stories From an Educator’s Journey

Resumo “Ensinar e Aprender com o Barro” é um ensaio em tom de relato autobiográfico, que percorre a minha trajetória como educadora e ceramista, refletindo sobre processos formativos na cerâmica, observando práticas e saberes de povos tradicionais. Neste texto, propõe-se uma reflexão crítica sobre o acesso à prática cerâmica no Brasil, pensando sobre diferenças entre a prática que desenvolvemos nos centros urbanos e as propostas pelas comunidades que tradicionalmente produzem esta linguagem como forma de sustento e resistência. A fim de tensionar este campo de ensino e aprendizagem, no compartilhamento e na construção coletiva de conhecimento, dialogamos com Paulo Freire, bell hooks, Muniz Sodré, Nego Bispo e outros pensadores, para subverter lógicas coloniais que estruturam tanto o campo da arte quanto o da educação. As artes do fogo, por meio do barro e da produção de cerâmica, podem ser território de confluência, por carregarem as memórias cosmológicas de diversos povos. Os relatos das propostas de aulas, cursos e encontros surgem como faísca compartilhada de orientações metodológicas, com a intenção de instigar e esperançar outros educadores que, assim como eu, buscam caminhos no presente através da observação de saberes e práticas ancestrais. O barro é uma materialidade mítica, coletiva e histórica.

Abstract “Teaching and Learning with Clay” is an autobiographical essay that traces my trajectory as an educator and ceramist, reflecting on formative processes in ceramics while observing the practices and knowledge of traditional communities. This text offers a critical reflection on access to ceramic practice in Brazil, considering the differences between practices developed in urban centres and those proposed by communities that have historically produced this medium as a form of livelihood and resistance. To interrogate this field of teaching and learning through the sharing and collective construction of knowledge, I engage in dialogue with Paulo Freire, bell hooks, Muniz Sodré, Nego Bispo, and other theorists to subvert the colonial logics that structure both the fields of art and education. The fire arts, through clay and ceramic production, can serve as a site of confluence, carrying the cosmological memories of diverse peoples. Stories of class sessions, courses, and workshops emerge as a shared spark of methodological guidance, aiming to inspire and encourage other educators who, like me, seek pathways in the present through the observation of ancestrality and practices. Clay constitutes a mythical, collective, and historical materiality.

Fabrics of Memory: Interlacing Life History, Sewing Practice, and Learning Through Art

Resumo A presente pesquisa investigou os possíveis entrelaçamentos entre a história de vida e o saber de um ofício manual, tendo como horizonte a aprendizagem pela arte. A investigação partiu da convivência com Lígia Hatsuko Hayashi, minha avó paterna, imigrante japonesa que chegou ao Brasil na década de 1930 e trabalhou como costureira ao longo de toda a vida. Por meio de encontros em que costurávamos e conversávamos, Lígia compartilhou comigo suas memórias e me ensinou seu ofício, a costura; ativando um processo de transmissão de saberes que articulou aspectos técnicos, sensíveis e culturais. O estudo adotou como principais metodologias a história oral e a autoetnografia, permitindo uma escuta atenta à memória individual como fonte de conhecimento e reflexão. Foram recolhidos documentos pessoais, registros e objetos biográficos como materiais de análise, compondo uma narrativa que dialoga com a história social da imigração japonesa no Brasil. A pesquisa partiu do pressuposto de que a memória individual é parte constituinte da memória coletiva, e que narrativas não hegemônicas, como a de uma mulher velha, estrangeira e pertencente às camadas populares, podem friccionar discursos históricos dominantes e modos de fazer consagrados pelas artes tradicionais. Assim, a costura, compreendida como um saber-fazer popular e feminino, revelou-se um potente campo de criação, afeto e aprendizagem. A partir da pergunta “como posso aprender a ensinar com minha avó?”, o estudo propõe reflexões sobre a transmissão de saberes em processos formativos não escolares e seus desdobramentos para o campo da Arte-Educação, defendendo a valorização de experiências sensíveis, relacionais e ancoradas nas trajetórias de vida como dispositivos poéticos e pedagógicos.

Abstract This research investigated the possible interweavings between life history and the knowledge of a manual craft, with learning through art as its horizon. The investigation stemmed from the time spent with Lígia Hatsuko Hayashi, my paternal grandmother, a Japanese immigrant who arrived in Brazil in the 1930s and worked as a seamstress throughout her life. Through meetings in which we sewed and conversed, Lígia shared her memories with me and taught me her craft - sewing - thus activating a process of knowledge transmission that articulated technical, sensorial, and cultural aspects. The study adopted oral history and autoethnography as its primary methodologies, allowing attentive listening to individual memory as a source of knowledge and reflection. Personal documents, records, and biographical objects were gathered as analytical material, composing a narrative that engages with the social history of Japanese immigration in Brazil. The research was based on the assumption that individual memory is a constitutive part of collective memory, and that non-hegemonic narratives - such as that of an elderly, foreign woman belonging to the working class - can disrupt dominant historical discourses and practices consecrated by traditional arts. Thus, sewing, understood as a popular and feminine form of know-how, proved to be a powerful field of creation, affection, and learning. Prompted by the question “how can I learn to teach with my grandmother?”, the study reflects on the transmission of knowledge in non-school-based learning processes and its implications for Art Education, advocating the recognition of sensitive, relational experiences grounded in life trajectories as both poetic and pedagogical instruments.

The City as Curriculum and Acts of Refusal: The Experience of the Ocupação 9 de Julho

Resumo O presente artigo propõe uma abordagem da cidade de São Paulo como estrutura curricular, compreendida não apenas como espaço físico, mas como dispositivo simbólico e pedagógico que organiza formas de vida. Partindo de uma crítica à racionalidade capitalista que estrutura a cidade contemporânea, analisa-se como os processos de urbanização, especialmente no campo da moradia, operam enquanto pedagogias da desigualdade, da obediência e do desencantamento. A partir de referenciais teóricos como Paulo Freire, Raymond Williams e Mark Fisher, o trabalho investiga práticas urbanas que operam como formas de recusa a essa lógica dominante e anunciam outras formas de se viver no espaço urbano. O foco recai sobre o Movimento Sem Teto do Centro (MSTC) e, particularmente, sobre a Ocupação 9 de Julho, situada no centro de São Paulo. Através da análise de suas formas de atuação política - onde a cultura e a arte encontram um lugar privilegiado - e das oficinas de arte realizadas entre os anos de 2018 e 2023, argumenta-se que essas experiências constituem formas alternativas de produção de sentido e de resistência urbana, praticando modos de vida baseados na coletividade, na criação e na participação. Conclui-se que, embora hegemonicamente organizada pelo capital, a cidade também abriga práticas formativas que desestabilizam suas normas e anunciam outros modos possíveis de existência e convivência.

Abstract This article approaches the city of São Paulo as a curricular structure, understood not only as a physical space but also as a symbolic and pedagogical device that organises ways of life. Starting from a critique of the capitalist rationality that shapes the contemporary city, it analyses how urbanisation processes - particularly in the field of housing - function as pedagogies of inequality, obedience, and disenchantment. Drawing on theoretical frameworks such as those of Paulo Freire, Raymond Williams, and Mark Fisher, the article examines urban practices that serve as forms of refusal of this dominant logic and announce alternative ways of inhabiting urban space. The focus is on the Movimento Sem Teto do Centro (City Centre Homeless People’s Movement, MSTC) and, in particular, on the Ocupação 9 de Julho (9 de Julho Occupation), located in central São Paulo. It considers their modes of political action - where culture and art hold a privileged role - together with the art workshops conducted between 2018 and 2023. The argument is that these experiences constitute alternative forms of meaning-making and urban resistance, fostering ways of life grounded in collectivity, creativity, and participation. The article concludes that, although organised under the hegemony of capital, the city also accommodates formative practices that destabilise its norms and point to other possible modes of existence and coexistence.

The Voices of the Women Who Speak to Our Morro: Art as an Activator of Memories

Resumo Este artigo apresenta uma reflexão sobre a potência da arte como ativadora de memórias no contexto da comunidade do Monte Serrat, em Florianópolis (Santa Catarina, Brasil), a partir da experiência pedagógica vivida na Marista Escola Social Lúcia Mayvorne. O estudo parte da escuta sensível das vozes de mulheres da comunidade - mães, avós, educadoras, artistas - que constroem e mantêm viva a memória coletiva do território. A investigação tem como foco o projeto interdisciplinar Mama África, desenvolvido com estudantes do terceiro ano do ensino médio, que buscou resgatar histórias silenciadas e valorizar o papel das mulheres na organização comunitária. A partir de referenciais como Paulo Freire (1992) e Célia Xakriabá (2020), o texto discute a centralidade do território na prática educativa, defendendo uma escola comprometida com a escuta Concetualização, Investigação, Metodologia, Redação - rascunho original, com a oralidade e com os saberes populares. A arte, nesse contexto, é compreendida como linguagem capaz de mobilizar afetos, revelar subjetividades e dar visibilidade a experiências historicamente marginalizadas. Ao valorizar a memória como elemento constitutivo da identidade e da coletividade, o trabalho propõe que a arte contribua para o fortalecimento do pertencimento e da autonomia dos sujeitos. Por meio das práticas desenvolvidas, reafirma-se a importância de uma educação que reconheça o território e as pessoas como corpo vivo e produtor de saberes, construindo relações entre escola e comunidade. A experiência descrita aponta para caminhos pedagógicos que entrelaçam memória, arte e território, e que têm como horizonte uma educação emancipadora, afetiva e transformadora.

Abstract This article presents a reflection on the potential of art as an activator of memories within the context of the Monte Serrat community in Florianópolis (Santa Catarina, Brazil), based on a pedagogical experience at Marista Escola Social Lúcia Mayvorne. The study begins with the sensitive listening to the voices of women from the community - mothers, grandmothers, educators, artists - who build and keep alive the collective memory of the territory. The investigation focuses on the interdisciplinary project Mama África, developed with third-year secondary school students, which sought to recover silenced histories and highlight the role of women in community organisation. Drawing on authors such as Paulo Freire (1992) and Célia Xakriabá (2020), the text explores the centrality of territory in educational practice, advocating for a school that is committed to listening, oral expression, and popular knowledge. In this context, art is understood as a language capable of mobilising affections, revealing subjectivities, and giving visibility to historically marginalised experiences. By valuing memory as a constitutive element of identity and collectivity, the work proposes that art contributes to strengthening belonging and autonomy among individuals. Through the practices developed, the study reaffirms the importance of an education that recognises both territory and people as a living body and a producer of knowledge, thereby building relationships between school and community. The experience described points to pedagogical pathways that intertwine memory, art, and territory, envisioning an emancipatory, affective, and transformative education.

Empathy on Stage: Theatre as a Pedagogical Practice for Fostering a More Humanised Medicine

Resumo Pesquisas mostram que, ao longo da graduação em medicina, os(as) estudantes tendem a sofrer uma perda significativa da empatia por pacientes e colegas. Diante desse desafio, propomos estratégias pedagógicas que fazem do teatro um meio para vivenciar temas essenciais à formação profissional, criando um espaço de acolhimento e aprendizagem emocional. Com a utilização da reflexão em ação, o objetivo é desenvolver repertórios para lidar com situações difíceis ou distantes dos ideais de cuidado. Afinal, para que profissionais de saúde validem as emoções de seus pacientes, é preciso que antes reconheçam e legitimem suas próprias emoções. Neste artigo, em formato de relato de experiência, abordaremos a metodologia Medical Education Empowered by Theater (MEET), pautada na Pedagogia do Oprimido de Paulo Freire e no “teatro do oprimido” de Augusto Boal, em duas frentes: simulações de consultas médicas e aulas de teatro. As aulas de teatro com foco nas habilidades de comunicação, promovem a “desmecanização” dos corpos - trabalhando não apenas a musculatura, mas também hábitos, dogmas e certezas enraizadas (Boal, 1998/2014). Essa prática amplia o repertório existencial, fortalecendo a alteridade e a empatia. Depoimentos dos(as) estudantes reforçam uma lacuna na formação médica: a longitudinalidade das abordagens humanistas, evidenciando a urgência de atividades curriculares que mantenham o ambiente de aprendizagem como um espaço criativo, respeitoso e vivo de reflexão. Diante disso, defendemos a expansão de práticas teatrais na formação médica como alicerce para uma medicina mais humanizada, assumindo um compromisso ético com os mais vulneráveis.

Abstract Research shows that, throughout medical school, students tend to experience a significant decline in empathy towards patients and peers. Faced with this challenge, we propose pedagogical strategies that use theatre as a means of exploring themes essential to professional training, creating a space for emotional learning and care. By employing reflection-in-action, the aim is to develop repertoires for dealing with situations that are difficult or far removed from ideals of care. After all, for health professionals to validate their patients’ emotions, they must first recognise and legitimise their own. In this experience report, we discuss the Medical Education Empowered by Theatre (MEET) methodology, which is grounded in Paulo Freire’s Pedagogy of the Oppressed and Augusto Boal’s “theatre of the oppressed,” and is implemented through two approaches: simulated medical consultations and theatre classes. Theatre classes focusing on communication skills foster the “de-mechanisation” of the body - working not only on physical expression but also on habits, dogmas, and deeply rooted certainties (Boal, 1998/2014). This practice broadens the existential repertoire, strengthening otherness and empathy. Students’ testimonies highlight a gap in medical training: the lack of longitudinal humanist approaches, underscoring the urgency of curricular activities that sustain the learning environment as a creative, respectful, and vibrant space for reflection. In light of this, we advocate for the expansion of theatrical practices in medical education as a foundation for a more humanised medicine, committed ethically to the most vulnerable.

Perus, Perus - By Day No Water, by Night No Light: Collectivities, School, Art, and Territory

Resumo Este artigo tem como objetivo aproximar-se do questionamento sobre saberes já consolidados e aparentemente imutáveis, articulando reflexões produzidas a partir do reconhecimento do bairro periférico de Perus, localizado na Zona Noroeste da cidade de São Paulo. Trata-se de um território historicamente marcado pelo estigma das faltas de luz e água, mas também pela potência criativa de coletivos artísticos, como a Ocupação Artística Canhoba, sede do Grupo de Teatro Pandora, e a Comunidade Cultural Quilombaque. Esses coletivos proporcionam diferentes possibilidades de relação entre arte, comunidade e educação pública, em diálogo com um elemento simbólico e material presente no território: a Fábrica de Cimento Portland Perus. Tendo como referenciais teóricos principais autores como Henri Lefebvre (1968/2011) e Tiaraju Pablo D’Andrea (2013, 2020), o texto tangencia os campos de estudos periféricos urbanos, artísticos e educacionais, em sua forma ampla, e busca relacionar sujeitos e sujeitas periféricas, ainda pouco visibilizados(as) em intersecção: estudantes da educação básica, projetos culturais das e nas “quebradas” da cidade (termo utilizado comumente para se referir aos bairros periféricos no Brasil), coletividades e novos horizontes possíveis. Metodologicamente, as reflexões partem de práticas desenvolvidas em uma escola pública, envolvendo os(as) sujeitos(as) e mediadas pelas linguagens artísticas. Como possíveis conclusões, verifica-se que as ações realizadas com a arte e as coletividades do território podem ser fundamentais para romper a lógica de que a periferia é apenas o lugar das faltas a ela historicamente atribuídas.

Abstract This article examines established and seemingly immutable forms of knowledge, articulating reflections grounded in the recognition of the peripheral neighbourhood of Perus, located in the north-western zone of the city of São Paulo. This territory has historically been marked by the stigma of water and electricity shortages, while simultaneously standing out for the creative vitality of artistic collectives such as Ocupação Artística Canhoba - home to the Grupo de Teatro Pandora - and Comunidade Cultural Quilombaque. These collectives offer multiple possibilities for connecting art, community, and public education, in dialogue with a symbolic and material element of the territory: the Fábrica de Cimento Portland Perus. Theoretical references include Henri Lefebvre (1968/2011) and Tiaraju Pablo D’Andrea (2013, 2020), the text engages with the urban, artistic, and educational fields of peripheral studies in their broadest sense, seeking to relate peripheral subjects - still underrepresented - at their intersection: basic education students, cultural projects developed in and by the “quebradas” of the city (a colloquial term commonly used in Brazil to refer to peripheral neighbourhoods), collectivities, and possible new horizons. Methodologically, the reflections derive from practices developed in a public school, involving participants and mediated through artistic languages. The findings suggest that actions involving art and local collectivities can be fundamental in disrupting the logic that frames the periphery solely as a place defined by historical deprivations.

Interview With Farid Matuk: Alternative Systems - Liberatory Play in Farid Matuk’s Poetry

“A Community Without Education Is an Invisible Community”: Interview With Dago Nível Intelecto

Digital Consumption: An Analysis of the Everyday Practices of Brazilian Instagram Users

Resumo Em um espaço de poucas décadas, a internet se tornou cenário de uma revolução no que diz respeito à conexão de pessoas e disseminação de conteúdo, proporcionando diversos benefícios para a sociedade. No entanto, a mente humana passou a ser exposta a uma quantidade gigantesca de informação que ultrapassa os limites da cognição, uma vez que websites, redes sociais digitais (RSD), mensageiros e outros aplicativos estão “à mão” em smartphones. Em paralelo, a própria realidade se esforça para se adequar ao julgamento da audiência do feed, com a existência de lugares e objetos prontos para serem registrados por smartphones e pessoas ávidas por atender um padrão estético e de comportamento. São estes os temas da pesquisa de que este artigo dá conta, especialmente focando no Instagram em razão de sua grande relevância na atualidade. Por meio de entrevistas semiestruturadas, a pesquisa coletou as experiências de 25 pessoas brasileiras que utilizam a plataforma frequentemente, nascidas entre 1981 e 1996, correspondendo à chamada geração Y. Também conhecida como millennials, esta geração presenciou as transformações do mundo analógico para o digital. O procedimento metodológico de tratamento dos dados recolhidos em entrevista desenvolveu-se por meio da análise temática. Neste processo, procurou-se responder à questão: qual o impacto da quantidade de informações disponíveis e estímulo de interações nas RSD na rotina do usuário? Com nove eixos temáticos, as principais conclusões mostram como a utilização de internet e RSD pode prejudicar o bem-estar social e se tornar viciosa, sendo os seus utilizadores influenciados por tédio, escapismo e “fear of missing out” (FOMO).

Abstract Within just a few decades, the Internet has become the catalyst for a revolution in the way people connect and disseminate content, offering numerous benefits to society. However, the human mind has been increasingly exposed to an overwhelming volume of information that exceeds cognitive limits, as websites, digital social networks (DSNs), messaging services, and other apps are readily available at users’ fingertips via smartphones. At the same time, reality itself strives to conform to the judgment of the audience within the feed, with places and objects designed to be recorded by smartphones and individuals eager to meet aesthetic and behavioural standards. These are the central themes of the research discussed in this article, with a particular focus on Instagram due to its current relevance and significance. Through semi-structured interviews, the study gathered the experiences of 25 Brazilian users who frequently engage with the platform, born between 1981 and 1996, corresponding to the so-called Generation Y. Also known as millennials, this generation witnessed the transformations from an analogue to a digital world. The methodological procedure used to process the interview data was thematic analysis. In this process, the research sought to answer the following question: what is the impact of the amount of information available and the stimulation generated by interactions with DSNs on users’ routines? Based on nine thematic categories, the main findings indicate that the use of the Internet and DSNs may harm social well-being and become addictive, with users influenced by boredom, escapism, and the “fear of missing out” (FOMO).