Revista :Estúdio

Uma segunda identidade

Partindo do tema da identidade interroga-se a duplicidade disfórica entre o idêntico e o diferente, recorrendo a outras áreas do conhecimento. Para haver diferença é necessário um idêntico referencial. Um oposto ao que é diferenciado, relembrando a oposição estabelecida por Darwin entre "caracteres genéricos" e "caracteres específicos". Tomando os discursos como um paralelo para as espécies, discutem-se semelhanças. Apontam-se os temas em debate em cada um dos artigos publicados na "Estúdio 13." Termina-se com a suspeita que o sentido de um se encontra naquilo que se não é, nos outros.

This text is based on the theme of identity, and it puts into question the dysphoric duplicity between the identical and the different, in several areas of knowledge. To have a difference one needs an identical as a reference. That is an opposite to what is different, recalling the established opposition between Darwin's "generic characters" and "specific characters." Taking discourses as a parallel to species, the text discusses similarities. The topics for discussion are pointed out in each of the articles published in "Estúdio 13." This ends up with the suspicion that the sense of oneself is to be found in what oneself is not: in the other.

Artista Viajante: alguns casos na Amazônia

Partiremos de uma compreensão da ideia de artista viajante na região Amazônica, no Norte do Brasil, para pensarmos alguns processos empreendidos que culminaram na produção de obras e de experimentação estética, forjando certa "identidade" para a região. Assim, começamos falando dos artistas e cientistas-viajantes, que entre os séculos XVI e XIX inscreveram, ao seu modo, a paisagem, os modos de um Brasil que se delineava, corroborando para a construção de uma imagem e de uma identidade brasileira. O objetivo deste artigo é abordar, por meio de algumas obras de artistas viajantes, de outrora e de hoje, esse processo de construção identitário.

We start from an understanding of the idea of a traveling artist in the Amazon region in northern Brazil, to think undertaken some processes that culminated in the production of works and aesthetic experimentation, forging certain identity for the region. So we started talking about the artists and scientists-travellers, that among the XVI and XIX centuries inscribed, on their own way, the landscape, the manners of a Brazil that was emerging, confirming to build an image and a Brazilian identity. The purpose of this article is to address, through some works of traveling artists of yore and today, this process of identity construction.

A construção de uma cartografia poética de determinada produção de artistas visuais na Amazônia

Este artigo reflete sobre uma cartografia poética de determinados artistas visuais que atuam ou são de origem da Amazônia Legal, a partir de viagens realizadas nesse território entre 2013 e 2014, observando de que maneira os artistas se articulam para realizar suas produções e o que eles pensam sobre uma região cheia de especificidades, diferenças e complexidade como é a Amazônia. Reflito ainda a poética dos Diários de Bordo, com a intenção de (re) descobrir a região através da escrita, compreendendo esta como parte do percurso de entendimento sobre a Amazônia.

This article reflects on a poetic cartography of certain visual artists who work or originate in the Amazon, departing on some trips made in that territory between 2013 and 2014, noting how artists articulate themselves to develop their productions and what do they think about a region so full of peculiarities, differences and complexities as the Amazon. I present also the poetics of diaries, with the intention of (re) discovering the region through the writing, understanding this as a part of the path of understanding on Amazon.

Lucia Castanho e o mito do coração como lugar dos sentimentos

A artista brasileira Lucia Castanho vem desenvolvendo uma série expressiva inspirada na personagem Ofélia, originalmente apresentada por William Shakespeare, em Hamlet. A série, ao mesmo tempo que aborda uma configuração única - o coração - transborda em multidimensionalidade - em diferentes modalidades artísticas, através de diversificadas materialidades. Do uno ao multi, a artista determina a potência da linguagem - em imagens do feminino.

The Brazilian artist Lucia Castanho has developed an impressive series inspired by Ophelia character, originally presented by William Shakespeare in Hamlet. The series, as the same time that emphasizes a unique configuration - the heart - overflows into multidimensional - in different artistic forms through diverse materiality. From the uno to the multi, the artist determines the potency of language - through images of the feminine.

A Identidade da Mão e as Anatomias do Nu no Desenho e no Desenhar de João Cutileiro

O desenho de nu feminino em Cutileiro é uma sociologia de erotização pelas funções de uma fenomenologia de olhar variável. A mão do desenhador identifica o gesto do corpo e capta-o no devir do instante e da urgência. Neste quadro intencional, o artigo analisa as relações gráficas operacionais através de três pares de factores envolvidos no desenhar. A "temática e a figura" explora as identidades do corpo e do género. A "técnica e o grafismo" estuda a geometria do contorno e as variabilidades do traço. O "volume e a pose" trata da posição, do movimento e da gravidade nos desvios da proporção humana.

The Cutileiro's female nude drawing is an erotization sociology through the functions of a variable gaze phenomenology. The draughtsperson hand identifies the gesture of the body and captures it in the transformation of instant and urgency. In this intentional framework, the paper analyses the operating graphical interfaces through three pairs of factors involved in to draw. The "theme and figure" explores the identities of the body and the gender. The "technic and graphics" studies the outline geometry and trace variability. The "volume and pose" deals with the position, motion and gravity on deviations of human proportion.

Flexibility of forms

Flexibilidad de las formas propone una aproximación a las "esculturas dinámicas para llevar en la cabeza" de Javier Arteta, mediante un recorrido por las funciones y el valor simbólico del sombrero. Nos acercaremos a su trabajo atendiendo al estudio de la forma, el tratamiento escultórico del espacio y los materiales utilizados. Este itinerario nos ayudará a constatar la ubicación de la obra del autor, situada en la intersección de realidades que se inspiran y nutren mutuamente evidenciado en todos los casos conocimiento, sensibilidad, experiencia, y sutileza.

Flexibility of the forms proposes an approach to "Dynamic sculptures to wear on the head" of Javier Arteta, by way of an itinerary through the functions and the symbolic value of the hat. We come near to Arteta his attending to the study of the form, the sculptural treatment of the space and the materials used in its process. This itinerary will help us to verify the location of the author´s work, that is placed in the intersection of realities inspired upon and mutually nourishing themselves, making patent in all cases knowledge, sensibility, experience, and subtlety.

Frans Krajcberg: a identidade brasileira revelada através do olhar para a natureza

Este texto tratará de algumas questões - que serão relacionadas à construção da arte de Frans Krajcberg, através do pensamento de Vilém Flusser - sobre identidade brasileira e como o imigrante propaga seus valores históricos em outro ambiente. Krajcberg, com suas fotografias, esculturas e pinturas revela a tragédia da destruição da natureza e luta pela conscientização sobre as consequências futuras da agressão ao meio-ambiente.

This paper will address some issues - which are related to the construction of the art of Frans Krajcberg, through Vilém Flusser's thinking - about Brazilian identity and how the immigrant propagates its historical values in another environment. Krajcberg with his photographs, sculptures and paintings reveals the tragedy of the destruction of nature and fight for awareness of the future consequences of the aggression to the environment.

Nuno Gama e a identidade que se veste

Nuno Gama é um estilista português, cujas criações se popularizaram pela característica portugalidade. Através de uma abordagem que relaciona a roupa com modos de pensar, analisa-se a forma como o estilista reflete, nas suas criações, aspetos de três níveis da sua identidade: pessoal, familiar e nacional. Apesar de não podermos despir a identidade, a aderência às roupas de Nuno Gama comprova que a identidade é também algo que se veste.

Nuno Gama is a Portuguese fashion designer, who is known for the portugality of his works. Based on an approach that links clothes to ways of thinking, Gama's creations are analyzed in how they reflect aspects of his three levels of identity: personal, familiar and national. Although identity isn´t something that we can undress, Nuno Gama's clothes seem to suit us well enough to say that identity is also something we put on.

Deconstructing male identity: Manuel Antonio Domínguez and the headless man

Este artículo se acerca a la figura del pintor español Manuel Antonio Domínguez a través de su reflexión sobre la construcción de la identidad masculina. Un análisis de su obra y de lo escrito sobre ella nos revela su preocupación por lo artificioso de los rasgos asociados a la masculinidad tradicional. El artista da vida con su pintura, cargada de ambigüedad y de códigos subvertidos, al hombre sin cabeza, ser que evidencia la necesidad de aparcar los patrones preestablecidos para alcanzar una mayor libertad que le permita modelarse a sí mismo según sus deseos.

This article approaches the figure of Spanish artist Manuel Antonio Domínguez through his reflection on the construction of male identity. An analysis of his work and critical texts reveals his concern about artificial characteristics associated with traditional masculinity. The artist creates with his painting, full of ambiguity and subverted codes, the headless man, person who needs to shelve preset patterns to achieve a larger freedom that allows him to model himself according to his wishes.

Identidade tecida: Rosana Paulino costurando os sentidos da mulher negra

O presente artigo analisa a obra de Rosana Paulino (São Paulo, 1967) que, com o uso de fios e linhas de sua herança-memória autobiográfica, traz à tona a discussão da identidade simbólica, do estigma da mulher negra e da sujeição do corpo, marcando uma ranhura na historiografia hegemônica, fazendo emergir a questão de gênero e raça na arte hoje.

This article presents the work of Rosana Paulino (São Paulo, 1967) that , with the use of threads of her own autobiographical memories and heritage brings up the discussion of symbolic identity , the stigma of black women and subjection of the body , marking a slot in the hegemonic historiography and giving rise to the question of gender and race in art today.

Identities of a shipwreck: n approach between the local and the global concept within the Alexis Leiva Machado installations

En el marco del proyecto de Beca Doctoral titulado "El rol del espectador en las producciones artísticas contemporáneas. Hacia una estética de la actuación", dirigido por la Lic. Silvia García, este trabajo propone un acercamiento a las instalaciones del artista cubano Alexis Leiva Machado (Kcho). A través de un universo poético basado en el rescate del fragmento y la recuperación del desecho, la obra de Kcho se revela como representativa de la identidad cubana. Pero a la vez capaz de trascender los límites locales y tejer redes de sentido de alcance universal.

As part of the PhD Scholarship project called "The role of the spectator in contemporary artistic productions. Towards an aesthetics of performance", led by Ms. Silvia Garcia, this work proposes an approach to the installation art of the Cuban artist Alexis Leiva Machado (best known as Kcho). Across a poetic universe based on the rescuing of fragments and the recovering of scrap, his work reveals itself as a representation of the Cuban identity. But at the same time it has the capacity to transcend the local boundaries and to create networks of universal meaning.

As incursões gráficas e pictóricas de Tadeu Jungle (ou, o elogio do ruído)

Este artigo trata do poeta e artista multimédia Tadeu Jungle, que começou a operar a partir da 2ª metade dos anos 70, integrando-se ao grupo de poetas experimentais de São Paulo. Sua atuação incorpora muitos meios e linguagens, com ênfase, porém, na Poesia. Notória característica em sua obra é a utilização do ruído como elemento estrutural, donde resultam poemas perturbadores e apreciáveis, com evidentes momentos de invenção e humor.

This article focuses the multimedia poet and artist Tadeu Jungle, who began operating from the 2nd half of the seventies, joining the group of São Paulo's experimental poets. His performances incorporate many media and languages, with emphasis, however, in Poetry. Notorious feature in his work is the use of noise as a structural element, which results in disturbing and appreciable poems, with obvious moments of invention and humour.

Um desvio para o imaterial: Sandro Novaes

Este escrito objetiva a construção de uma leitura especifica sobre duas configurações visuais que o artista visual Sandro Novaes elaborou para uma exposição individual no Museu de Arte do Espirito Santo, MAES, em Vitoria, Brasil. O método de abordagem que elegemos para este fim é centrado em uma atitude interpretativa, sujeita ao modo exclusivo de recepção do autor, orientando se, deste modo, para um distanciamento das jurisprudências, artístico-históricas, em primeiro plano.

This paper aims to build a specific reading about two visual settings that the artist Sandro Novaes prepared for a solo exhibition at the Museum of Fine Art of Espírito Santo, MAES, in Vitoria, Brazil. The method of approach that we have chosen for this purpose is centered on an interpretative approach, subject to the exclusive way of the author's reception, directing it in this way, for a distancing of the artistic and historical jurisprudences, as an exclusive principle.

La Ribot: Zero Body on the Expanded Scene

A artista La Ribot cuestiona cos seus traballos os límites do campo escénico tentando mesturar códigos doutras disciplinas. Móvendose con soltura na busca doutra posible presentación escénica e doutra relación co público.Un dos fíos condutores do seu traballo é a presenza do seu corpo espido que utiliza case coma un molde en branco no que inscribe diferentes identidades ao seu antollo.

The artist La Ribot challenges, with her work, the limits of scenic field while mixing codes from other areas. Moving freely in search of other possible stage performance and other relationship with the public. One of the threads of her work is the presence of her naked body using almost like a blank mold in which she inscribes different identities at his please.

Anthropomorphic Figure and Questioned Identity in the artwork of Juan Muñoz

Las instalaciones de Juan Muñoz se distinguen por la recuperación de la estatuaria bajo un enfoque alegórico, materializada en un abanico de figuras sometidas a estrategias de despersonalización, cuyo análisis en relación a su imagen y disposición escénica explica el cuestionamiento de la propia identidad en el receptor. Las expectativas de auto-reconocimiento derivadas del aparato de representación teatral convencional son problematizadas reflejando una identidad múltiple, fragmentada y extrañada.

The installations of Juan Muñoz stand out for the recovery of the statuary under an allegorical approach, embodied in a range of figures subjected to depersonalization strategies, whose analysis in relation to their image and scenic staging, explains the questioning of identity in the receptor. Self-recognition expectation, derived from conventional theatrical representation device, becomes problematic by reflecting a multiple, fragmented and strange identity.

O lugar como acontecimento nas imagens de Luiz Braga

Este texto se propõe a pensar, através de algumas imagens do fotógrafo brasileiro Luiz Braga, na presença de um universo encarnado pelo poético a partir de suas origens documentais. Num tensionamento articulado entre o fotográfico em sua pregnância - o instante objetivo da tomada - e o cultural, naquilo que tem de mais orgânico, suas imagens apresentam-se numa atmosfera que é própria ao lugar que representam, em suas origens e aspectos identitários, configurando territórios de pertencimento em seu orbe de encantamento.

This essay discusses, through pictures of the brazillian photograph Luiz Braga, the presence of a universe incarnated by the poetic from its documentary origin. In an articulated tension between the photograph in its interconnections - the instant of the shot - and the cultural, in its most organic part, the images present themselves in a atmosphere related to the place that they represent, in its origins and identity aspects, setting territories of belonging in its charming orb.

Obsession and darkness in the work of José Carlos Naranjo

José Carlos Naranjo (1983) es un joven pintor andaluz que se siente atrapado por la obra de Francisco de Goya, obsesión que le lleva a insistir una y otra vez en los Caprichos y Disparates. Reflexiona sobre el papel del hombre en nuestra sociedad, para ello, oculta los rostros de sus protagonistas que habitan espacios marginales, la periferia de la ciudad. Es en la noche donde suceden estas historias, pues esta propicia la fantasía, la ensoñación. El resultado es una imagen poderosa donde la verdadera protagonista es la idea, una invitación a la reflexión y a resolver los interrogantes que plantea.

José Carlos Naranjo (1983) is a young Andalusian painter who feels trapped by the work of Francisco de Goya, an obsession that leads him to insist again and again on the whims and Nonsense. Reflects on the role of men in our society, for it, conceals the faces of the characters that inhabit marginal spaces, the periphery of the city. It is at night where these stories happen, because this promotes the fantasy, reverie. The result is a powerful image where the real protagonist is the idea, an invitation to reflection and to resolve the questions raised.

A composição urbana em Corpos Informáticos

O artigo apresenta dois recentes trabalhos do Corpos Informáticos, um coletivo de artistas que se constitui também como grupo de pesquisa ligado à Universidade de Brasília. A apresentação e a reflexão sobre tais trabalhos proporcionam o conhecimento de alguns princípios que norteiam as proposições do grupo e seus questionamentos sobre a natureza da arte.

The article presents two recent works of Corpos Informáticos, a collective of artists that also constitutes itself as a research group attached to the Universidade de Brasilia. The presentation and reflection on such works provide the knowledge of a few principles that guide the group's proposals and its questions about the nature of art.

Life-time stories: the narrative biographic memory at Miguel Romero's art

En el presente trabajo se analiza cómo el artista sevillano Miguel Romero (1971) explora el establecimiento de la verdad en los límites de la técnica fotográfica. A través de historias de vida, reales o ficticias, nos propone asumirlas y construirlas por empatía contextual, la búsqueda del recuerdo común o el sentimiento compartido que emerge dentro de cada uno de nosotros. En el texto se aborda cómo este creador materializa estos relatos biográficos para hacernos repensar nuestras memorias, jugar con los tiempos. Su serie Show me your negatives (2012) es el eje principal del estudio, que es considerado a su vez en relación con obras de otros autores de factura similar y teóricos como Deleuze, Goddard o Bergson.

This paper discusses how the Sevillian artist Miguel Romero (1971) explores the establishment of the truth in the limits of photographic technique. Through stories of life, real or fictitious, he proposes us to assume and build them by contextual empathy, the search of the common memory or the shared feeling that emerges within each of us. The text addresses how this artist embodies these biographical stories to make us rethink our own memories, play with the times. His series Show me your negatives (2012) is the main axis of the study, which is considered in turn in relation to works by other authors of similar invoice and theoreticians like Deleuze, Goddard or Bergson.

Ruby e a autorrepresentação: encenações de questões de identificação e de identidade em imagens codificadas

Analisamos um filme de Luciano Sherer, "Ruby" sobre o estereótipo de um artista. Há a construção de uma "persona" pela produção de documentos de lembranças ficcionais. Mas toda a encenação é efeito crítico onde Sherer trabalha com a figura do jovem artista frente a uma série de papéis: o trágico, que busca a recuperação de uma perda, que se identifica com o escuro, que busca o invisível, e que trabalha com o oculto e a sombra. O objetivo é a criação de uma superficção, onde o estereótipo é utilizado para chegar à identificação do próprio artista com o personagem.

This article analyses a movie by Luciano Sherer, "Ruby", about the artist's stereotype. There is a construction of a "persona" through the production of documents of fictional memories. But all the script has a critical effect when Sherer uses the identity of a young artist facing different roles: the tragic that seeks the recuperation of a loss, or looks for the invisible and deals with the shadow and the negative. The objective is the creation of a super fiction, where the stereotype is used to reach the identification of the artist on his own as a character.