Revista :Estúdio

Arte: no ângulo do espelho, uma pegada grande demais

Resumo A propósito dos artigos apresentados no N. 31 da Revista Estúdio, apresentase uma perspetiva sintética e interrogadora sobre as formas da arte, interrogando a sua ancoragem agarrada à subjetividade. Esta entidade desfaz-se como ponto de vista, mas permite a representação, para uma abstração estética. A Arte na mole dos tempos é então uma forma agarrada a uma perspetiva, uma imagem na retina semantizada. O contexto é de perigo, na emergência ambiental, expondo uma arte que pode ser doente, com o mal reificado do capital. O desafio é alto, para uma superação na Arte contemporânea.

Abstract With regard to the articles presented in N. 31 of ‘Revista Estúdio’ Journal, a synthetic and interrogative perspective on the forms of art is presented, questioning its anchorage attached to subjectivity. This entity falls apart as a point of view but allows representation, towards an aesthetic abstraction. Art in the mole of the times is then a form attached to a perspective, an image on the semantized retina. The context is one of danger, in the environmental emergency, exposing the sickness in art, with the reified evil of capital. The challenge is high, for overcoming contemporary art.

Text and word in Jaume Plensa’s sculptures and installation art

Resumen El objetivo de este artículo es relacionar parte de la creación escultórica del artista contemporáneo español Jaume Plensa, con las reflexiones del filósofo alemán del siglo XIX Martin Heidegger. A través del estudio de los conceptos de “idea” y “materia” en siete de las obras en las que el artista utiliza el texto como material, apreciaremos algunas correlaciones entre los términos de “poesía” y “habla” en ambos, Heidegger y Plensa.

Abstract The goal of this article is to relate part of the sculptural creation of the Spanish contemporary artist Jaume Plensa, with the reflections of the German philosopher of the nineteenth century Martin Heidegger. Through the study of the concepts “idea” and “matter” in seven of his artworks, for which he uses text as a material, we will appreciate some correlations between “poetry” and “speech” on both, Heidegger and Plensa.

Manuel Rosa: a Sombra de uma Secreta Luz

Resumo Uma aproximação à arte de Manuel Rosa implica uma predisposição para vencer uma longa espera, de modo a trespassar o tempo e a cortina de silêncio que a envolve. A espera pode ser longa, mas vale a pena, sempre que o artista se predispõe a expor uma arte que se distingue pela delicada interioridade, quieta melancolia e depurada forma, convidando-nos a meditar sobre o essencial.

Abstract An approach to Manuel Rosa’s art implies a predisposition to overcome a long wait in order to pierce time and the curtain of silence that surrounds it. The wait may be long, but it is worth it, whenever the artist predisposes himself to exhibit an art that is distinguished by its delicate interiority, quiet melancholy and refined form, inviting us to meditate on the essentials.

Dar arte com pedaços de si. (Para o entendimento de obra de arte que vive com a presença do outro): uma reflexão sobre a obra de Raquel Ferreira

Resumo Este artigo pretende dar a conhecer a obra de Raquel Ferreira que na condição de artista plástica demonstra através do seu trabalho o seu ser, o seu método, e a forma como este interage com o público. Apresenta-se uma análise do seu fazer artístico, tentando compreendê-lo através de conceitos como: o Unheimlich, o duplo e a Autobiografia. Ao conhecer a obra da artista percebe-se a importância do eu da criadora e do eu do público para a existência e essência da mesma.

Abstract This article aims to disclose the work of Raquel Ferreira that in the condition of artist shows through her work her being, her method, and how this interacts with the public. Presenting an analysis of your artistic making, trying to understand it through concepts like Unheimlich, or Double and the Autobiography. After knowing the work of the artist its perceptible the importance of the creator’s self and the I of the public for the existence and essence of herself.

Projeto Artístico e Identidade: o território de origem e o desenvolvimento autoral no percurso de Luís Fortunato Lima

Resumo Pretende este artigo apresentar como o projecto artístico é indissociado do processo de construção identitária e, de que forma, se encontra tangência entre o desenvolvimento pessoal com o desenvolvimento artístico. Nesse sentido o estudo cruza uma dupla dimensão metodológica: a análise do percurso artístico de Luís Fortunato Lima na relação com o espaço físico e social do território de Campanhã; e a análise de processos de desenvolvimento identitário baseados na abordagem dialógica de self. Assim, cruzase uma perspectiva oriunda da investigação em arte e outra do campo da investigação em ciências sociais, num diálogo entre prática projectual e identidade pessoal.

Abstract This article intends to present how the artistic project is inseparable from the process of identity construction and, in what way, it finds tangency between personal development and artistic development. In this sense, the study crosses a twofold methodological dimension: the analysis of Luís Fortunato Lima’s artistic path in relation to the physical and social space of the Campanhã territory; and the analysis of identity development processes based on the dialogical approach to self. Thus, one crosses a perspective from art research and another from the field of research in social sciences, in a dialogue between projectual practice and personal identity.

Curiosidade e inquietude: a ponte entre a ditadura e a liberdade na obra de João Nunes

Resumo Este artigo decorre da análise da vida e obra do designer João Nunes que se desenrolou a partir de uma entrevista realizada na primeira pessoa, em Serra de Arga, em janeiro de 2019. Procuramos encontrar pontos transversais entre a sua obra e o contexto social e político da sua formação pessoal e profissional e em que medida a sua experiência como designer no exército, durante um regime de ditadura e a sua formação académica num período pós revolução se refletem na personalidade ativista e socialmente responsável que conhecemos hoje.

Abstract This article stems from the analysis of the life and work of the designer João Nunes developed out of an interview conducted at his home and studio in Serra de Arga, in January 2019. We aim to find cross points between his work and the social and political context of his personal and professional background and to what extent his experience as a designer in the army, during a period of dictatorship and his academic graduation in a post revolution period, do reflect the activist and socially responsible personality we know today.

Crossroads of Almudena Fernandez Fariña´s painting: writing painting, weaving painting, painting

Resumen En esta comunicación se propone una lectura de la travesía pictórica de Almudena Fernández Fariña. Para ello se tomarán como estudio de caso cuatro de sus obras: “Sin título” (1998), “Knoten” (2004), “Pintura Hábitat” (2005) y “Mural Concha” (2013) que se analizarán en los apartados que dividen este artículo: Escribir pintura, Tejer pintura y Pintar. Dichas exposiciones nos permitirán conocer la evolución que experimenta la pintura de Fernández Fariña desde sus primeros lienzos escritos, hasta la salida de su pintura del marco del cuadro al espacio arquitectónico a través del uso del ornamento.

Abstract This communication proposes an interpretation of the crossroads of Almudena Fernández Fariña´s painting. With the aim of doing that, four of her artworks will be use as a case of study: “Sin título” (1998), “Knoten” (2004), “Pintura Hábitat” (2005) and “Mural Concha” (2013). These artworks will be analysed in the sections dividing this article: Writing painting, Weaving painting and Painting. These works will allow us to get to know the evolution that Fernández Fariñas´s painting experienced from her first written canvases, until the outing of her painting from the frame to the architectural space through the use of ornament.

Renata Lucas: Approaches to the everyday in public space

Resumen Las intervenciones en el espacio público de la artista brasileña Renata Lucas estudian nuestra experiencia habitual de lo cotidiano para darle la vuelta, y nos adentran en propuestas sutilmente disruptivas de transformación del paisaje urbano. Sus proyectos reinventan el site-specific a través de un personal enfoque poético y de un fino sentido del humor. Jugando con lo casi imperceptible, crea dispositivos que comunican la institución arte con el exterior y evitan precisamente el estado generalizado de invisibilidad de las piezas instaladas en el espacio público.

Abstract Brazilian artist Renata Lucas’ public space interventions study our experience of the everyday aiming to turn it upside down, and take us into subtly disruptive transformations of the urban landscape. Lucas’ projects reinvent site-specific art through a very personal poetic approach and sense of humour. Playing with the almost indiscernible, Lucas creates devices that link the art institution with the outside, and so escape the general state of invisibility of artworks installed in public space.

The Solid Memory of Carles Gabarró

Resumen El artista español Carles Gabarró articula su trabajo en series para buscar en el sentido profundo de las cosas una respuesta al interrogante pictórico y existencial, al tiempo que su obra constituye una meditación sobre la fragilidad humana. Los motivos de su pintura muestran la continuidad poética tanto de la herencia del peso de la historia, como de la tradición moderna, e invitan a la reflexión personal, desde la libertad, la ética, la exigencia moral, y el impulso emocional de los discursos y formas del hecho pictórico.

Abstract The Spanish artist Carles Gabarró articulates his work in series to look in the deep sense of things for an answer to the pictorial and existential question, while his work constitutes a meditation on human fragility. The motifs for his painting show the poetic continuity of both the inheritance of the weight of history, and of modern tradition, and invite personal reflection, from freedom, ethics, moral demands, and the emotional impulse of speeches and forms of the pictorial fact.

3D stones: the error of Anna Dot and the copy of Mercè Casanovas

Resum L’article ens acosta a dues artistes catalanes, Anna Dot i Mercè Casanovas, que han incorporat la tecnologia d’impressió en 3D com una eina més en els seus processos creatius. Coincideix, a més, que les pedres impreses són protagonistes en les seves obres: com a error, en El camí de les pedres (2017), de Dot, i com a còpia en Repensant Penone (2019), de Casanovas. Es conclou que aquestes pedres peculiars condensen, més que temps, un conjunt de dades, i que ens desvelen densitats conceptuals pròpies de les seves recerques artístiques.

Abstract This paper brings us closer to two Catalan artists: Anna Dot and Mercè Casanovas, who have incorporated 3D printing technology as another tool in their creative processes. It also coincides with the fact that printed stones are the main character in their works: as an error in Dot’s El camí de les pedres (2017), and as a copy in Casanovas’s Repensant Penone (2019). In conclusion, these peculiar stones, more than time, condense data and reveal the conceptual densities of their artistic research.

A obra escultórica de Maria Palmela

Resumo Esta reflexão sobre a obra escultórica de Maria Palmela, Duquesa de Palmela, artista e benemérita do século XIX, pretende analisar os processos de execução utilizados pela escultora. Na sua escultura é explícita a escolha pela representação humana e as matérias que utiliza, o mármore e o bronze. Investigamos nesta abordagem, diferentes maneiras de trabalhar a pedra: o talhe indireto e o talhe direto. Apresentaremos ainda outras soluções plásticas, na modalidade de retrato, resultantes dos processos utilizados.

Abstract This reflection on the scultural work of Maria Palmela, Duchess of Palmela, artist and meritorious of the XIX century, aims to analyse the processes of execution used by the sculptor. In her sculpture are explicit the choice for human representation and the materials she uses, marble and bronze. We investigate in this approach, diferent ways of working the stone: the indiret carving and the diret carving.We will also present other plastic solutions in portrait mode,resulting from the processes used.

Juliá Panadés and the vacational sculpture: The end of the masterpiece

Resumen Este artículo analiza la obra escultórica de Juliá Panadés como muestra de la tendencia al final de la “Masterpiece”. Dentro de un tiempo que pide anti obras maestras, la forma de creación más viable resulta el ensamblaje, de escala modesta, con objetos y materiales encontrados y reaprovechados. Piezas rápidas para un contexto frenético que beben de la creación del pasado, apuntando hacia una nueva corriente común.

Abstract This article analyzes the sculptural work of Juliá Panadés as an example of the trend at the end of the “Masterpiece”. Living in a time that asks for anti-masterpieces, the most viable form of creation is the assembly, of modest scale, with found and reused objects and materials. Quick pieces for a frenetic context that drink from the creation of the past, pointing towards a new common current.

Lúcia Gomes: uma artista na Amazônia

Resumo Este artigo aborda a produção visual da artista paraense Lúcia Gomes e as relações entre política, arte e vida nas proposições e ações realizadas.

Abstract This article is about the visual production of paraense artist Lúcia Gomes and the relationship between politic, art and life in the proposes and actions done.

Experimentações político-formais no corpo linguístico performativo: a escrita em artes visuais

Resumo O texto escrito para esse Congresso fala da escrita nas artes visuais - das experimentações político-formais no corpo linguístico performativo na obra do artista brasileiro Fabio Morais. Assim, selecionamos alguns trabalhos apresentados em Excritexpográfica - uma exposição que o artista realizou em fevereiro de 2017 na Galeria Vermelho, em São Paulo. Nela, as obras mostravam articulações gráfico-espaciais que acresciam à palavra a condição de imagem em marcha, possibilitando novos significados e instigando um olhar analítico à conjuntura política brasileira e mundial. No entanto, entre os primeiros dias de janeiro de 2020, quando finalizamos aquele texto, e as primeiras semanas de março, quando ele foi convidado para ser a comunicação de abertura do CSO tornado online em função da pandemia do coronavírus, descobrimos um mundo além de nós. Encontramos um mundo suspenso entre um passado em curso junto a uma narrativa corrosiva e uma brusca interrupção dessa mesma narrativa, sem sabermos se ela seria retomada ou se ali fora concluída para ser ainda uma outra inaugurada. Estávamos no escuro, salvo quando iluminados pela luz azul das telas do computador e celular. Tínhamos três dias para ‘atualizar’ o texto para um contexto incerto, interior, desde casa. Foi um exercício sem flexão muscular, mas com a coluna reta: partimos da certeza que nos invadiu naquele momento sobre o papel da arte: a arte não relativiza mais; a arte não problematiza mais, ela não questiona. Ela exige: respostas, movimentos, vozes, corpos, postura ética.

Abstract The text that was selected for this congress focused on artist Fabio Morais’ solo exhibition Writexpographic at the Vermelho Gallery in São Paulo in February 2017. The show consisted of pieces that disclosed the artist’s two decade long and ongoing research on writing within the realm of the visual arts. Such practice has been reflecting on the current formal-political experimentation of writing within a performative linguistic body. Writexpographic revealed graphic and spatial articulations that added to the written word the condition of image en marche, rendering new meanings - and new readings - onto the current political scenario in Brazil and abroad. However, the period that marked the completion of the article in late January 2020 and early March, when it was invited by the congress to be the keynote address, the world had dramatically changed. We found a world whose narrative came into a complete halt due to the coronavirus pandemic. The present in which we found ourselves needing to ‘update’ the article before the congress opening was as uncertain as it was hopeful, as it was dark. We were in the dark, except when lit by the blue light reflected by the computer and cell phone screens. In the attempt to reframe and redirect the discussion in the article while committing to its original intent we were motivated by Morais’ practice. We could not be sure what the writing needed to communicate or inform but we were certain what it had to perform, knowing that the role of art from then on demands answers, movement, voices, bodies, ethical posture.

Adding absences in the air: on the performative condition in the art installations of Doris Salcedo and Teresa Margolles

Resumen En este trabajo abordaremos dos obras transitables de las artistas Doris Salcedo y Teresa Margolles, que a través de recursos que ponen en acto y en imagen las tensiones entre presencia y ausencia, se proponen como estrategias de reparación simbólica. Operando mediante lo que entendemos con un giro performativo del arte, cada una de ellas conforma en el espacio vivencial del espectador un escenario propicio para dar cumplimiento a los duelos irresueltos y rituales fúnebres postergados en latinoamérica, vinculados a desapariciones y muertes violentas, para habilitar la puesta en acción de la memoria.

Abstract In this work we will address two traversable artworks by artists Doris Salcedo and Teresa Margolles which, through resources that put into action and into image the tensions between presence and absence, are proposed as symbolic reparation strategies. Operating through what we conceive as a performative turn of art, each of them conforms in the spectator’s experiential space a propitious scenario to comply with unresolved duels and funeral rituals postponed in Latin America, linked to forced missings and violent deaths, to enable memory become action.