Convergências - Revista de Investigação e Ensino das Artes

The paradox of Theseus' boat. Identity and difference in graphic design project for printed books

Resumo Supõe-se que a identidade visual assume importância no desenvolvimento do projeto gráfico de livros impressos, sobretudo no caso das coleções e dos volumes, quando garante, a cada edição, o reconhecimento de pertença a um conjunto e também a necessária diferenciação da edição anterior. No âmbito do presente estudo foram adotadas metodologias não intervencionistas e o estudo de caso de tipo exploratório. O estudo de caso consistiu numa componente de investigação ativa, com o desenvolvimento de um projeto gráfico de volumes, resultantes do projeto de investigação em pintura de José Quaresma A Pintura Contemporânea no Barco de Teseu. Foi utilizado como método de pesquisa o estudo de caso único descritivo, que incidiu sobre a criação de identidade visual.

Abstract It is supposed that visual identity assumes importance in the development of the graphic design of printed books, especially in the case of collections and volumes, when it ensures, in each edition, the recognition of belonging to a group and also the necessary differentiation from the previous edition. In this study, non-interventionist methodologies and an exploratory case study were adopted. The case study consisted of an active research component, with the development of a graphic design project of volumes, resulting from José Quaresma's research project in painting A Pintura Contemporânea no Barco de Teseu (Contemporary Painting in the Ship of Theseus). The research method used was the descriptive single case study, which focused on the creation of visual identity.

Designing network visualizations for genetic literary criticism

Abstract We present a research project aimed at designing a new visual model for the analysis and presentation of data of genetic criticism, an approach to the study of literature that inquires about the genesis of literary works. The project was carried out in collaboration between researchers in information design and literary scholars, in the context of the project «Gustave Roud. Œuvres completes». The introduced visual model builds on top of network graphs and introduces specific visual features aimed at supporting analysis of genetic criticism. The design process involved three moments: (1) the gathering of information for the definition of design requirements; (2) the phase of the prototyping of the visual model; (3) the production and evaluation of the final network visualizations. The presented process is rich in insights into the collaboration between design researchers and scholars involved in digital humanities.

Resumen Presentamos una investigación destinada a diseñar un nuevo modelo visual para el análisis y la presentación de datos de crítica genética, realizada en colaboración entre investigadores en diseño de la información y estudiosos de la literatura del proyecto "Gustave Roud. Œuvres completes". El modelo visual se basa en los grafos de red e introduce características específicas destinadas a apoyar el análisis de la crítica genética. El proceso de diseño implicó tres momentos: (1) la recopilación de información para la definición de los requisitos de diseño; (2) la fase de creación de prototipos del modelo visual; (3) la producción y evaluación de las visualizaciones de red finales. El proceso presentado es rico en ideas sobre la colaboración entre investigadores del diseño y estudiosos de las humanidades digitales.

Restoration and Conservation of works of art: Implementation of technical solutions to safeguard cultural heritage

Resumo Este trabalho tem como objetivo o estudo na área da conservação e restauro de obras de arte, cujos fatores descritos ao longo do trabalho estão associados à degradação e à deterioração que podem ser provocados por causas físicas e ambientais. O objetivo principal do conservador funciona como modelo de avaliação na assistência a espaços museológicos e galerias com a implementação de soluções técnicas viáveis para a sua conservação e salvaguarda do património. O restaurador exerce a sua atividade profissional com especialização na área do restauro de obras de arte, desde a pintura, arte sacra, frescos, em múltiplos espaços museológicos, locais de culto quer públicos ou privados, para além de outros espaços potenciadores de arte. Contudo estes profissionais devem estar em permanente atualização face a novos métodos e técnicas, novos materiais, com recursos inovadores, assim como a existência de uma interdisciplinaridade e capacidade de trabalho especializado e organizado em grupo pelos responsáveis conservadores. Este processo resulta da segurança e preservação das coleções com determinadas condições ambientais, requisição de peritos e meios técnicos de avaliação.

Abstract This work aims to study the area of conservation and restoration of works of art, whose factors described throughout the work are associated with degradation and deterioration that can be caused by physical and environmental causes. The conservator's main objective works as an evaluation model in assisting museological spaces and galleries with the implementation of viable technical solutions for their conservation and safeguarding of heritage. The restorer exercises his professional activity with specialization in the area of restoration of works of art, from painting, sacred art, frescoes, in multiple museum spaces, places of worship whether public or private, in addition to other spaces that enhance art. However, these professionals must be constantly updated in the face of new methods and techniques, new materials, with innovative resources, as well as the existence of an interdisciplinary approach and the ability to work specialized and organized in a group by the responsible conservators. This process results from the safety and preservation of collections with certain environmental conditions, request of experts and technical means of evaluation.

Op Art and Industrial Design

Resumo Em outubro de 1964, o termo Op Art surge num artigo da revista Time. A Arte Ótica ou Op Art é caracterizada por padrões geométricos e distorções que provocam no espetador respostas percetivas e dinâmicas, originando ilusões óticas, sensações de movimento ou cintilações. Em meados da década de 1960 até aos nossos dias, a Op Art tem se difundido em objetos da vida quotidiana, influenciando o design de produto. Objetos que estimulam os nossos sentidos, que envolvam o próprio corpo que sente e responde aos estímulos produzidos, tornam-se mais apelativos, mais comunicativos e isso é conseguido através da Op Art. No presente artigo, a Op Art é contextualizada, são descritos e analisados os efeitos óticos da Op Art utilizados pelos designers de produto, com recurso a exemplos visuais.

Abstract In October of 1964, the Time Magazine coined the term Op Art. Op Art, also called Optical Art is characterized by the use of geometric patterns and distortions that generates specific perceptual responses, having dynamic qualities which provoke optical illusions and movement sensations. From the mid-1960s to nowadays, Op Art's popularity has spread into objects of everyday life, influencing the product design. Objects that stimulate our senses, involve the own body which feels and responds to the produced stimuli, become more appealing, more communicative. Through Op Art this is achieved. In this article, Op Art is contextualized, the optical effects of Op Art used by product designers are described and analysed, by using visual examples.

e-Music: an (un)heimlich harmony

Resumo A música eletrônica (e-music) caracteriza-se pela produção de sonoridades sintetizadas a partir do uso de equipamentos e instrumentos eletrônicos e tem suas raízes nas mudanças de paradigmas estéticos e epistemológicos ocorridas durante o século XIX e XX, refletindo também, a crise representativa e ontológica dos objetos artísticos. A partir deste postulado, pode-se refletir sobre a produção da arte contemporânea e, principalmente, da música eletrônica sob duas chaves da estética e da subjetividade atuais: as imagens técnicas de Flusser e Benjamin e o infamiliar freudiano. Como os elementos que destacam a e-music enquanto gênero são a sua construção “em camadas” e a utilização de recursos experimentais e não-humanos, como o ruído e os samples, a soma de tais elementos seria capaz de provocar sensações de desconforto e, simultaneamente, evocar elementos familiares, remetendo aos debates que relacionam Estética, psicanálise e filosofia da técnica?

Abstract Electronica is characterized by the use of electronical instruments and equipment to produce synthesized and unnatural sounds and harmonies. It was originated from the changes in the aesthetical and epistemological paradigms occurred in the end of XIXth and the beginning of XXth Centuries. Also, e-music reflects the representational crisis of the objects of Art. Using this background as a standpoint, this essay aims to investigate the production of contemporary art and, specifically, electronical music, under two keys: the technical images of Flusser and Benjamin and the Freudian concept of “unheimlich”. The question that drives this investigation can be resumed hereinafter: the sum of its characteristics (its layered construction, use of noises, samples, experimental and non-human resources) enables electronic music to generate sensations of discomfort or displacement to evoke a familiar and warm atmosphere? If so, it is necessary to establish relations between Aesthetics, Psychoanalysis and Philosophy of Technique.

Joseph Kosuth and ethics as a mediator between meaning and emptiness.

Abstract Joseph Kosuth’s “One and Three Chairs” is considered the materialization of his 1969 essay “Art after Philosophy”, where he defined Conceptual Art, in which Meaning relied solely upon its author’s mind, expressed through tireless repetition. Although this kind of reiteration could become means for an understanding, the fact that no effort was made (so to speak) in explaining one’s personal views, deprived the observer of the needed resources for its interpretation. Here lies a dilemma where Conceptual Art can be criticised, since, if an artist can hide behind the observer’s lack of understanding, he can propose something that, also for him, is devoid of meaning. This is why Kosuth’s work may consist not in the materialization of Conceptual Art itself, but in the defence that at the foundation of an artist's work, there must be strong ethical values, manifested precisely through a correlation between Sign, Signifier and Signified, in which “One and Three Chairs”, and his subsequent work, repeatedly dwells, defending the expression of honesty that should guide Conceptual Art, in its own defence, but also of its authors’ and appreciators’ defence.

Resumo “One and Three Chairs”, de Joseph Kosuth, é considerada como uma manifestação da sua teorização da Arte Conceptual, na qual defende que o seu significado reside apenas na mente do seu autor, expresso através da sua incansável repetição. Embora este tipo de reiteração possa consistir num meio para atingir o seu entendimento, o facto de não ser realizado um esforço para a sua comunicação (por assim dizer) priva o observador da possibilidade de a compreender. Aqui reside uma possível crítica à Arte Conceptual, em que um artista se pode esconder atrás da não necessidade de compressão por parte do observador para propor algo que, também para si, é destituído de significado. Talvez por isso a obra de Kosuth consista não na materialização da Arte Conceptual em si, mas na defesa da ideia de que na base de qualquer trabalho artístico devem estar valores éticos expressos através da correlação entre o Signo, o Significado e o Significante, algo que “One and Three Chairs” e o seu trabalho subsequente insistem, defendendo a expressão de uma honestidade que deve guiar a Arte Conceptual em sua própria defesa, mas também dos seus autores e apreciadores.

Critical Thinking Development: Gender Issues in the Context of Arts Training in Higher Education

Resumo Este artigo pretende analisar o desenvolvimento do pensamento crítico sobre questões de género no contexto da formação no ensino superior, tomando como caso de estudo a proposta "Género(s)", que visou a realização de um projeto transdisciplinar articulado entre as Unidades Curriculares de Oficina de Artes, Tecnologias e Multimédia IV (OATM IV) - módulos de Escultura e Arte Multimédia - e de Teoria da Arte, do 2º semestre do ano letivo de 2019/2020, promovendo a reflexão sobre a questão de género e o pensamento crítico dos estudantes de Licenciatura em Artes Visuais e Tecnologias da Escola Superior de Educação do Politécnico de Lisboa. No decorrer do processo, os professores assumiram um papel de facilitadores, criando um espaço livre de censura e constatando que os estudantes mobilizaram e desenvolveram o pensamento crítico em processos de investigação e criação artística em torno de estereótipos sobre questões de género. A imaginação de diferentes possibilidades de géneros levou a uma reflexão sobre os valores enquanto construções culturais e à consciência do agenciamento de cada um para os reinventar e contribuir para a mudança social. Deste modo, consideramos que a produção artística e/ou a interpretação de obras de arte estimulam o pensamento autónomo, capaz de lidar com situações novas, através da projeção de várias hipóteses alternativas. Concluímos, assim, que a educação artística é um espaço privilegiado para estimular o desenvolvimento do pensamento crítico, sem recorrer a ideias pré-concebidas, sendo por isso potencialmente apto a combater os estereótipos de classe, cultura ou género e, deste modo, contribuir para a criação de valores orientadores de uma ação socialmente justa.

Abstract This study aims to analyze the development of critical thinking on gender issues in the context of higher education training, taking as a case study the work proposal "Gender(s)" which aimed to carry out a transdisciplinary project articulated between the Curricular Units of Workshop of Arts, Technologies and Multimedia IV (OATM IV) - Sculpture and Multimedia Art modules - and Art Theory, of the 2nd semester of the academic year 2019/2020, promoting reflection on the issue of Gender and critical thinking of undergraduate students in Visual Arts and Technologies of the School of Education of the Polytechnic of Lisbon. The aim of this project is to promote reflection on the gender issue and critical thinking among undergraduate Visual Arts and Technologies students at the School of Education of the Polytechnic of Lisbon.During the process, teachers assumed the role of facilitators, creating a space free of censorship, finding that students mobilized and developed critical thinking, in processes of investigation and artistic creation around gender stereotypes. The imagination of different gender possibilities led to a reflection about values as cultural constructions and to the awareness of each one's agency to reinvent them and contribute to social change. In this way, we consider that artistic production and/or interpretation of art works stimulate autonomous thinking, capable of dealing with new situations, through the projection of several alternative hypotheses. We conclude, therefore, that art education is a privileged space to stimulate the development of critical thinking, without resorting to preconceived ideas, being, therefore, potentially able to combat class, culture or gender stereotypes and, in this way, contribute to the creation of values that guide a socially fair action.

The immaterial labor in Jum Nakao’s work

Resumo O artigo traz a questão do valor do trabalho imaterial do design de moda através da performance A Costura do Invisível, de Jum Nakao (2004). Em uma relação entre a produção de moda (imaterial), um produto simbólico, intangível e que atende a um desejo, e a produção de roupa (material), um produto concreto e tangível, é configurado o produto de design de moda. No entanto, qual seria o valor da produção intelectual, imaterial, em um sistema tão efêmero? Este valor estaria associado apenas aos números de venda do produto concreto? Através de uma investigação descritiva e qualitativa sobre o trabalho imaterial presente na obra de Nakao, buscou-se solucionar estas questões e outras reflexões.

Abstract The article brings the question of the value of the immaterial labor of fashion design through the performance The Sewing of the Invisible, by Jum Nakao (2004). In a relationship between the production of fashion (immaterial) a symbolic, intangible product that meets a desire and the production of clothing (material) a concrete and tangible product is configured the product of fashion design. However, what would be the value of intellectual, immaterial production in such an ephemeral system? Would this value be associated only with the sales figures of the concrete product? Through a descriptive and qualitative research about the immaterial labor present in Nakao's work, we sought to solve these questions and other reflections.

Art as a support for creativity in contemporary fashion design

Resumo Este trabalho de investigação remete para o tema da arte como suporte criativo, na área do design da moda contemporânea, cujo objetivo foi referenciar alguns acontecimentos da história da moda influenciados e inspirados pela arte, através de estudos realizados em que a arte reflete o momento, e o artista utiliza e constrói a sua própria história. A moda representa a atualidade e o retrato de várias culturas, enquanto a arte mostra a mensagem da moda através da descodificação do design e das cores de forma criativa e inovadora, gerando sentimentos e emoções no observador. Na era atual o consumidor valoriza produtos com valores exponencialmente estéticos, simbólicos e psicológicos que consequentemente propiciam o privilégio da experiência estética, considerando o estilista um criador reconhecido, com novas experiências e ideias que vão de encontro à satisfação do consumidor para o qual foram criadas.

Abstrat This research work refers to the theme of art as a creative support, in the area of contemporary fashion design, whose objective was to reference some events in the history of fashion influenced and inspired by art, through studies carried out in which art reflects the moment, and the artist uses and builds his own story. Fashion represents the present and portrays various cultures, while art shows the fashion message by decoding design and colors in a creative and innovative way, generating feelings and emotions in the observer. In the current era, the consumer values products with exponentially aesthetic, symbolic and psychological values that consequently provide the privilege of the aesthetic experience, considering the stylist a recognized creator, with new experiences and ideas that meet the satisfaction of the consumer for which they were created.

Klara Hartoch, Anni Albers and indigenous references in modern textile design

Resumo Este artigo tem como objetivo central contribuir para a compreensão acerca do uso de referências a culturas indígenas latino-americanas no design têxtil moderno do século XX, postas em questão no contexto de uma abordagem crítica à colonialidade, pensando nos conceitos de “mestiçagem”, em De Moraes, e “hibridismo”, em Canclini. Aqui, especificamente, essas referências são observadas nos trabalhos de duas artistas e designers têxteis cujas produções dialogam com culturas indígenas em alguma medida: Klara Hartoch e Anni Albers. Num primeiro momento, o artigo introduz ambas as designers e suas trajetórias para, então, tentar estabelecer uma comparação sistemática entre algumas de suas obras, pensando em quatro categorias: referências, materiais, métodos/processos, e resultados alcançados. Finalmente, o artigo reflete a respeito de como as obras analisadas contribuem para a construção de um imaginário hegemônico sobre culturas indígenas que se dá ao longo do design moderno no século XX.

Abstract This article aims to contribute to the comprehension of the use of indigenous latin-american references in 20th century modern textile design, questioned in the context of an approach that is critical of coloniality. Here, specifically, these references are observed in the works of two textile designers whose productions have been, to some extent, in dialogue with indigenous cultures: Klara Hartoch and Anni Albers. Firstly, the article introduces both designers and their respective trajectories and, secondly, it tries to stablish a systematic comparison between some of their pieces, thinking of four categories: references, materials, methods/processes, and achieved results. Finally, the article discusses how the analyzed works contribute to the construction of a colonialist imaginary regarding indigenous cultures that unfolds within 20th century modern design.

Interior Design trajectory from the perspective of professionalization - a review

Resumo Embora, nas últimas décadas, haja significativa mobilização do campo acadêmico do Design para ampliação dos conteúdos até então existentes, particularmente dos referentes à sua história, essa expansão ainda não contemplou, de modo satisfatório, a história do Design de Interiores em si. A literatura existente nem sempre é acessível em função da predominância das publicações estrangeiras, o que implica os naturais obstáculos referentes à língua e ao custo, e, mesmo se a ela se tem acesso, as publicações costumam se limitar a biografias de profissionais bem sucedidos ou à tradicional forma de narrar a trajetória do campo, como uma sucessão de estilos. Sem a pretensão de resolver o problema de modo definitivo, mas com o objetivo de contribuir para a facilitação do acesso e a ampliação das informações, o presente artigo se propôs a fazer uma revisão de literatura, adotando como recorte as transformações vivenciadas pela atividade em seu processo de profissionalização. Para tanto, fez-se indispensável compreender brevemente relevantes contextos históricos em que essa trajetória se deu, com destaque para a França nos séculos XVII e XVIII, a Inglaterra nos séculos XVIII e XIX e o contexto estadunidense do século XX. O artigo, portanto, resultante de demanda identificada pelos autores durante sua prática docente, procurou contribuir com um tema ainda pouco explorado, na expectativa de que futuros trabalhos deem continuidade a uma história que precisa e merece ser contada.

Abstract Although, in the last decades, there has been significant mobilization of the academic field of Design to expand the thus far existing content, particularly referring to its history, this expansion has not satisfactorily contemplated the history of Interior Design itself yet. The existing literature is not always accessible due to the predominance of foreign publications, which means the natural obstacles concerning the language and the cost, and, even when accessible, the publications are usually limited to biographies of successful professionals or the traditional way of narrating the trajectory of the field, as a succession of styles. Without intending to solve the problem definitively, but with the objective of contributing to the facilitation of access and the expansion of information, this article has proposed to review the existing foreign literature, adopting as a framework the transformations experienced by the activity in their professionalization process. Therefore, it was essential to briefly understand relevant historical contexts in which this trajectory took place, with emphasis on France in the 17th and 18th centuries, England in the 18th and 19th centuries and the American context of the 20th century. The article, thus, resulting from a demand identified by the authors during their teaching practice, sought to contribute with a still little explored theme, in the expectation that other future works will give continuity to a story that needs and deserves to be told.

A literature review on “friction” as a method for reflection in design interventions.

Abstract The article proposes a literature review on how design could be a viable way to make users reflect when using design products in the larger context of data production through digital technologies. Design practitioners consider quickness, ease of use, and smoothness as hallmarks of good design that produces digital interfaces that do not disclose what is happening behind the surface, creating opaque situations in which users are not necessarily aware of the consequences of their actions. To reframe this approach to design, we explore the concept of “friction” as a lens to analyze existing definitions of this and related concepts in design and as a metaphorical design approach emerging from the literature. A “frictional” perspective could entail slow interaction with technology or the focus on designing effort in using user interfaces that produce data to dispel opaqueness in existing practices. Using Scopus as a proxy to inquire about the defined term, a corpus of relevant publications is analyzed to gather existing design approaches along with occurring instances of the word “friction” and how it has been used previously. To conclude, we introduce the concepts of “diegetic frictions” and “extra-diegetic frictions” as a possible taxonomy of design interventions that embody the initial intention outlined in the article.

Resumen El artículo propone una revisión bibliográfica sobre cómo el diseño podría ser una forma viable de hacer reflexionar a los usuarios cuando utilizan productos de diseño en el contexto más amplio de la producción de datos a través de las tecnologías digitales. Los profesionales del diseño consideran que la rapidez, la facilidad de uso y la fluidez son las señas de identidad de un buen diseño que produce interfaces digitales que no revelan lo que ocurre detrás de la superficie, creando situaciones opacas en las que los usuarios no son necesariamente conscientes de las consecuencias de sus acciones. Para replantear este enfoque del diseño, exploramos el concepto de "fricción" como lente para analizar las definiciones existentes de éste y otros conceptos relacionados en el diseño y como enfoque metafórico del diseño que surge de la literatura. Una perspectiva de "fricción" podría implicar una interacción lenta con la tecnología o el enfoque del esfuerzo de diseño en el uso de interfaces de usuario que producen datos para disipar la opacidad en las prácticas existentes. Utilizando Scopus como proxy para indagar sobre el término definido, se analiza un corpus de publicaciones relevantes para recoger los enfoques de diseño existentes junto con las instancias de la palabra "fricción" que se producen y cómo se ha utilizado previamente. Para concluir, introducimos los conceptos de "fricciones diegéticas" y "fricciones extradiegéticas" como una posible taxonomía de las intervenciones de diseño que encarnan la intención inicial esbozada en el artículo.