Resumo O artigo analisa interseções entre a moda e a tipografia, a partir da investigação e da análise do projeto gráfico de revistas especializadas do segmento de moda, publicadas ao longo da história e na atualidade. Inicialmente, o texto explora a relação entre a moda e os tipos serifados modernos, destacando a relevância e a preponderância do estilo tipográfico nos processos comunicacionais e estéticos relacionados às publicações. Em seguida, o artigo analisa o caráter imagético da tipografia nas revistas, assumindo que as palavras adquirem um valor iconográfico e visual de destaque no seu projeto gráfico, transcendendo a sua função verbal. A partir das pesquisas iconográfica, documental e histórica, são examinados aspectos como a morfologia e a composição dos caracteres tipográficos, demonstrando como esses elementos contribuem para a manutenção da identidade visual e para o posicionamento gráfico e editorial dos periódicos. Adotando uma abordagem qualitativa, que combina análises sincrônicas e diacrônicas, o artigo analisa páginas exemplares de publicações brasileiras e internacionais, cujo escopo editorial refere-se à moda conceitual e à moda e ao luxo, tais como V Magazine, Interview, Dazed & Confused, Numéro, Elle, Vogue, L’Officiel e Harper’s Bazaar, por exemplo. No contexto da moda, a tipografia não pode ser considerada um elemento neutro ou apenas funcional; ao contrário, ao romper com padrões de legibilidade e leiturabilidade, desempenha um papel ativo na construção das narrativas, da comunicação e das identidades visuais.

Abstract This article examines the intersections between fashion and typography through an investigation of the graphic design of specialised fashion magazines, both historical and contemporary. It first explores the relationship between fashion and modern serif typefaces, highlighting the significance and predominance of typographic style in the communicative and aesthetic processes of these publications. The discussion then turns to the imagery of typography in magazines, arguing that words acquire a distinct iconographic and visual value in their graphic design, transcending their purely verbal function. Through iconographic, documentary, and historical research, this article explores aspects such as the morphology and composition of typefaces, demonstrating how these elements sustain the visual identity and reinforce the graphic and editorial positioning of fashion periodicals. Adopting a qualitative approach that combines synchronic and diachronic analyses, the article analyses sample pages from Brazilian and international publications whose editorial scope encompasses conceptual fashion as well as fashion and luxury, including V Magazine, Interview, Dazed & Confused, Numéro, Elle, Vogue, L’Officiel and Harper’s Bazaar. In the context of fashion, typography cannot be regarded as a neutral or merely functional element; rather, by breaking conventional standards of legibility and readability, it plays an active role in the construction of narratives, communication, and visual identities.

Resumo O presente estudo tem como metodologia a teoria do imaginário, apresentada por Gilbert Durand e Michel Maffesoli, aplicada no estudo da marca Versace. O objetivo central é compreender como o imaginário da grife foi perpetuado após a morte de seu fundador, Gianni Versace, assassinado em 1997, e sua substituição por Donatella Versace, então responsável pelas relações públicas da marca. A metodologia adota a análise hermenêutica simbólica, buscando identificar a projeção do imaginário da marca nas coleções dos estilistas. A articulação entre a imaginação simbólica e a hermenêutica possibilita responder aos questionamentos acerca do processo de criação e da continuidade da marca ao longo das décadas. Para tal, foram selecionadas oito imagens representativas das coleções de Gianni e Donatella, com o propósito de identificar os símbolos e processos criativos que conectam o passado e o presente da marca. A análise visa explorar a influência de Gianni no trabalho de Donatella, bem como o imaginário perpetuado na sociedade pós-moderna. Os resultados obtidos contribuem para o desenvolvimento de construções argumentativas, que ampliam o debate sobre a imaginação simbólica de maneira pluridisciplinar, fornecendo subsídios para futuras pesquisas, seja no campo do imaginário simbólico ou na história e continuidade da marca Versace.

Abstract This study applies the theory of the imaginary, as developed by Gilbert Durand and Michel Maffesoli, to examine the Versace brand. The primary objective is to explore how the brand's imaginary has been sustained following the death of its founder, Gianni Versace, who was murdered in 1997, and the subsequent leadership of Donatella Versace, then responsible for the brand's public relations. The research employs a symbolic hermeneutic analysis to investigate how the brand's imagery is projected through its designers' collections. The interplay between symbolic imagination and hermeneutics provides insights into the creative process and the brand's continuity over time. To this end, eight representative images from Gianni and Donatella's collections were selected to identify the symbols and creative processes that bridge the brand's past and present. The analysis explores Gianni's enduring influence on Donatella's work and the perpetuation of the brand's imagery in postmodern society. The findings contribute to the broader academic discourse on symbolic imagination from a multidisciplinary perspective, offering a foundation for future research in both symbolic imagination and the historical continuity of the Versace brand.

Resumo O presente trabalho tem como intuito uma abordagem comparativa às fontes quinhentistas sobre a forma como as mulheres são percecionadas a partir do vestuário. Focamo-nos na mulher em Portugal e em Goa, no contexto da sociedade católica do século XVI, a partir de relatos escritos por homens. Sabendo que a moda enquadra um indivíduo no seu meio, procuramos entender de que modo a religião influencia o modelo do traje feminino, uma vez que, enquanto no século em questão, Portugal se mantém fiel ao Cristianismo, Goa é, à chegada dos portugueses, um local onde coexistem diversas religiões, nomeadamente o Hinduísmo (religião a que daremos mais enfoque neste trabalho, devido ao maior número de dados). O território de Goa é parte de um processo de expansão marítima, concluindo-se que ocorre uma mútua influência cultural que se irá refletir no papel e vestuário da mulher em ambos os territórios. São obras de referência a de Fernando Oliveira (1993), o qual analisa as diversas peças de vestuário na sua composição. No entanto, devido ao reduzido enfoque da academia neste tema, analisámos teses académica, como a de Pedro Castro Cruz (2023), que investiga as Sumptuárias ao longo do período moderno. A pesquisa deste trabalho segue o método histórico, a partir de uma análise comparativa de fontes documentais já previamente exploradas pela historiografia, mas às quais pretendemos colocar novas questões. São estas os relatos de viagem de Jan Huygen van Linschoten (1596/1885a, 1596/1885b) e de François Pyrard de Laval (1944) e as Leis Extravagantes, compiladas por Duarte Nunes de Leão (1569). Este trabalho é inovador, no sentido em que, pela primeira vez, compara o vestuário da mulher em dois extremos do império português, a partir da visão dos homens.

Abstract This paper adopts a comparative approach to 16th-century sources concerning the perception of women through their clothing. It focuses on women in Portugal and Goa within the context of 16th-century Catholic society, using male-authored accounts. Understanding fashion as a marker of cultural belonging, this study examines how religious beliefs and practices influence women’s modes of dress. While Portugal maintained its Christian identity throughout this period, Goa - at the time of the Portuguese arrival - was home to a diversity of religious traditions, particularly Hinduism, which this study emphasises due to the greater availability of sources. As part of the broader Portuguese maritime expansion, Goa experienced processes of cultural exchange that shaped the roles and clothing of women in both territories. Foundational reference works include Fernando Oliveira (1993), who analyses the composition of various garments. However, due to the limited academic focus specifically on women's clothing in this context, the study also draws on recent academic theses, such as that of Pedro Castro Cruz (2023), which examines sumptuary dress across the early modern period. The research follows a historical methodology, using comparative analysis of previously studied documentary sources to pose new interpretative questions. Primary sources include the travel accounts of Jan Huygen van Linschoten (1596/1885a, 1596/1885b) and François Pyrard de Laval (1944), as well as the Leis Extravagantes (Extravagant Laws) compiled by Duarte Nunes de Leão (1569). This study is original in comparing female clothing at two geographic and cultural extremes of the Portuguese empire, as interpreted through male perspectives.

Resumo Este artigo analisa a militarização da juventude portuguesa durante o Estado Novo, com foco no papel da farda da Mocidade Portuguesa como instrumento de propaganda e controlo. Através de uma abordagem histórica e sociológica, o estudo examina a criação, os objetivos e a organização da Mocidade Portuguesa, e descreve e interpreta a sua farda, explorando o seu simbolismo e as influências militares presentes na sua conceção. A análise revela como a farda funcionou como um instrumento de propaganda e controlo, contribuindo para a construção de uma identidade coletiva e para a inculcação de valores como a disciplina, a obediência e o espírito de sacrifício. O estudo compara a Mocidade Portuguesa com outras organizações juvenis da época, como a Juventude Hitleriana, as Juventudes Falangistas e a Opera Nazionale Balilla, e analisa as especificidades da Mocidade Portuguesa Feminina, demonstrando como a organização reforçava os papéis de género tradicionais. Conclui-se que a Mocidade Portuguesa e a sua farda constituíram instrumentos eficazes na estratégia de controlo e doutrinação do Estado Novo, contribuindo para a militarização da juventude e para a construção de uma identidade nacional autoritária.

Abstract This article examines the militarisation of Portuguese youth under the Estado Novo regime, with particular emphasis on the role of the Mocidade Portuguesa (Portuguese Youth) uniform as a tool of propaganda and social control. Adopting a historical and sociological approach, the study examines the creation, objectives, and organisational structure of the Mocidade Portuguesa. It offers a descriptive and interpretative analysis of its uniform, focusing on its symbolism and the military influences embedded in its design. The findings reveal that the uniform functioned as a key instrument in promoting a collective identity and in instilling values such as discipline, obedience, and self-sacrifice. The study compares the Mocidade Portuguesa with other contemporary youth organisations - namely the Hitler Youth, the Falangist Youth, and the Opera Nazionale Balilla - and examines the specific features of the Mocidade Portuguesa Feminina (Portuguese Female Youth), demonstrating how the organisation reinforced traditional gender roles. The analysis concludes that the Mocidade Portuguesa and its uniform played a central role in the Estado Novo's strategy of youth indoctrination and authoritarian nation-building.

Resumo Este artigo discute como marcas, caracterizadas como pequenas e médias empresas, de moda sustentável podem alinhar suas iniciativas e estratégias publicitárias aos princípios de sustentabilidade e do mercado. Tendo como base de pesquisa a dissertação de mestrado intitulada Alternativas Entre Luxo e Desperdício: Publicidade no Contexto da Moda Sustentável (Silva, 2024), o texto aborda a evolução da moda, contextualizando a transição de uma indústria focada na produção em massa para um setor que, cada vez mais, incorpora preocupações sociais e ambientais. Discute-se centralmente os desafios enfrentados por pequenas e médias marcas em comunicar valores sustentáveis em um mercado ainda caracterizado por práticas tradicionais e por um consumismo excessivo. São analisadas as estratégias de marketing e publicidade adotadas por quatro marcas, duas brasileiras e duas portuguesas, e seu impacto na percepção pública e no engajamento com o consumo responsável. O foco recai no desenvolvimento de uma linguagem publicitária e outros recursos voltados para apresentar os diferenciais da sustentabilidade, no uso do marketing verde e na busca pelo equilíbrio entre lucratividade e ética. O artigo apresenta reflexões e recomendações para a publicidade no contexto da moda sustentável, incentivando as pequenas e médias marcas a refinarem suas estratégias e os consumidores a adotarem práticas mais conscientes, destacando a publicidade como ferramenta essencial para impulsionar mudanças no mercado e contribuir para um futuro mais sustentável para a indústria da moda.

Abstract This article discusses how sustainable fashion brands, characterised as small and medium-sized enterprises, can align their advertising initiatives and strategies with the principles of sustainability and the market. Based on the master's thesis entitled Alternativas Entre Luxo e Desperdício: Publicidade no Contexto da Moda Sustentável (Alternatives Between Luxury and Trash: The Advertising in the Context of Sustainable Fashion; Silva, 2024), the text addresses the evolution of fashion, contextualising the transition from an industry focused on mass production to a sector that increasingly incorporates social and environmental concerns. The central discussion focuses on the challenges faced by small and medium-sized brands in communicating sustainable values in a market still characterised by traditional practices and excessive consumerism. The marketing and advertising strategies adopted by four brands, two Brazilian and two Portuguese, are analysed, along with their impact on public perception and engagement with responsible consumption. The focus is on developing advertising language and other resources aimed at presenting the differentials of sustainability, using green marketing and seeking a balance between profitability and ethics. The article presents reflections and recommendations for advertising in the context of sustainable fashion, encouraging small and medium-sized brands to refine their strategies and consumers to adopt more conscious practices, highlighting advertising as an essential tool to drive change in the market and contribute to a more sustainable future for the fashion industry.

Resumo Este trabalho apresenta o setor da moda, com foco na sua adaptação e reconfiguração, como expressão social, cultural e artística, durante a conjuntura pandémica da COVID-19, que se instalou e se propagou pelo mundo a partir do ano de 2019. Na sua essência multidisciplinar e sob diversas perspetivas, a moda promove a criatividade, através de uma linguagem rica em significações com novas formas de comunicação e de conectividade, refletindo-se no design, na publicidade e no marketing. Os objetivos desta pesquisa passam, primeiramente, pela identificação das diversas estratégias utilizadas na adaptação do setor à comunidade perante uma crise de saúde pública; de seguida, pela análise e pelo reconhecimento do impacto que a apropriação do objeto-máscara medicinal teve na moda, em contexto da pandemia da COVID-19; posteriormente, a identificação dos diferentes tipos de produções da máscara, após a sua apropriação pela moda; e, por fim, o reconhecimento dos estatutos simbólicos que o objeto-máscara adquire, após a sua apropriação e ressignificação pela moda. Para esta análise é utilizada uma abordagem qualitativa, combinada com a revisão de artigos científicos, relatórios de mercado e entrevistas publicadas de profissionais da área da indústria da moda. Este estudo pretende contribuir para a apresentação e explicação de estratégias de comunicação em moda, realçando a capacidade de adaptabilidade do setor. Da mesma forma, a investigação enriquece os processos da semiótica da moda, propondo uma categorização de diferentes tipos de produções, assim como os estatutos simbólicos que o objeto-máscara adquire.

Abstract This paper presents the fashion industry, focusing on its adaptation and reconfiguration as a social, cultural, and artistic expression during the COVID-19 pandemic, which began and spread throughout the world in 2019. In its multi-disciplinary essence and from various perspectives, fashion promotes creativity through a language rich in significations with new forms of communication and connectivity, reflected in design, advertising and marketing. The goals of this research are, first, to identify the various strategies used in the sector’s adaptation to the community in the face of a public health crisis; second, to analyse and recognise the impact that the appropriation of the medical mask as an object has had on fashion in the context of the pandemic; third, to identify the different types of mask production after their appropriation by fashion; and, finally, to recognise the symbolic status that the mask object acquires after its appropriation and re-signification by fashion. For this analysis, a qualitative approach is used, combined with a review of scientific papers, market reports and published interviews with professionals in fashion industry. This study aims to contribute to the presentation and explanation of communication strategies in fashion, highlighting its capacity for adaptability. Similarly, the research enhances the processes of fashion semiotics, proposing a categorisation of different types of productions, and the symbolic statuses that the mask-object acquires.

Nordeste Futurista]]>

Resumo O artigo analisa as duas primeiras faixas do álbum visual Nordeste Futurista da artista Luana Flores, explorando como a indumentária e a direção de arte são elementos fundamentais da instauração do “futurista” que a narrativa da obra projeta no território, desafiando representações estereotipadas do Nordeste brasileiro. Através da lente da cosmotécnica (Hui, 2020), o estudo examina como a obra de Flores dissolve esteticamente a suposta oposição entre as tecnologias ancestrais e contemporâneas, em diálogo com culturas quilombolas e indígenas da região. A análise concentra-se na indumentária para tal, como elemento na construção de um discurso estético que desafia imaginários coloniais de subdesenvolvimento, também se apropriando do imaginário futurista do cinema de ficção científica clássica. Nesta investigação, a tecnologia do vestir é pensada como “cosmotécnica”, teoria proposta pelo filósofo Yuk Hui (2020): que se refere à tecnologia manifesta de diferentes formas, pois sempre surge e carrega embutida em si cosmologias e contextos específicos, questionando a visão de uma tecnologia única e universal, mais ou menos “avançada”. O artigo perpassa o uso de artefatos vestíveis como, por exemplo, óculos de realidade virtual, chapéus de palha trançada e tecidos como a chita, demonstrando como estes elementos carregam significados culturais e históricos, ao mesmo tempo que são ressignificados em um contexto “futurista”. A partir da quebra da neutralidade da colonialidade do ver (Barriendos, 2019), trazemos algumas representações visuais do Nordeste brasileiro, que foram historicamente distorcidas para justificar práticas de dominação. Ao trazer a estética do álbum visual Nordeste Futurista para análise, buscamos provocar uma ruptura com o imaginário estandardizado sobre a região Nordeste do Brasil, que dialoga com o imaginário subdesenvolvido da América Latina, enfatizando a potencialidade cultural local e a importância de reconhecermos cosmotécnicas indígenas e quilombolas no nosso cotidiano e na construção de futuros possíveis.

Abstract This article analyses the first two tracks of the visual album Nordeste Futurista (Futuristic Northeast) by artist Luana Flores, exploring how clothing and art direction are fundamental elements in establishing the “futuristic” narrative that the work projects onto the territory, challenging stereotypical representations of the Brazilian Northeast. Through the lens of cosmotechnics (Hui, 2020), the study examines how Flores’ work aesthetically dissolves the supposed opposition between ancestral and contemporary technologies in dialogue with quilombola and Indigenous cultures of the region. The analysis focuses on clothing as an element in the construction of an aesthetic discourse that challenges colonial imaginaries of underdevelopment, also appropriating the futuristic imagery of classic science fiction cinema. In this investigation, clothing technology is thought of as “cosmotechnics”, a theory proposed by philosopher Yuk Hui (2020) that refers to technology manifested in different forms, as it always emerges and carries within itself specific cosmologies and contexts, questioning the vision of a single, universal technology that is more or less “advanced”. The article examines the use of wearable artefacts such as virtual reality glasses, woven straw hats and fabrics such as chita (floral printed cotton), demonstrating how these elements carry cultural and historical meanings while at the same time being re-signified in a “futuristic” context. Challenging the neutrality of coloniality of seeing (Barriendos, 2019), we present some visual representations of the Brazilian Northeast that have been historically distorted to legitimise practices of domination. By analysing the aesthetics of the visual album Nordeste Futurista, this study seeks to disrupt the standardised imagery of the Northeast region of Brazil, which dialogues with the underdeveloped imagery of Latin America, emphasising the local cultural potential and the importance of recognising Indigenous and quilombola cosmotechnics in our daily lives and the construction of possible futures.

Resumo Este trabalho tem como objetivo analisar o cenário clubber e sua relação com a moda nas cidades de São Paulo e Rio de Janeiro, a partir de uma abordagem comparativa. A pesquisa busca compreender os principais eventos voltados à cena clubber no eixo Rio-São Paulo e investigar como seus frequentadores se relacionam com a moda e com a própria cultura clubber, tendo como base teórica o conceito de “neotribalismo”. As referências centrais utilizadas são os estudos de Maffesoli (1988/2000), Bourdieu (1991/2001), Thornton (1995) e Barthes (1967/1979), que contribuem para entender os processos simbólicos, sociais e estéticos envolvidos. Para alcançar os objetivos propostos, foram adotados três métodos de pesquisa: observação participante, entrevistas em profundidade e aplicação de survey. A análise dos dados obtidos revela que a moda exerce um papel fundamental na construção da identidade clubber, funcionando como linguagem estética e social. A cena clubber se apresenta como um espaço de experimentação, transgressão e constante reinvenção. Além disso, destaca-se a forma como seus signos e símbolos são apropriados e ressignificados pelo mercado, evidenciando uma dinâmica de fagocitação capitalista. Assim, o estudo aponta para a complexidade das relações entre estilo, pertencimento e consumo no contexto contemporâneo das culturas urbanas.

Abstract This study aims to analyze the clubber scene and its relationship with fashion in the cities of São Paulo and Rio de Janeiro, using a comparative approach. The research seeks to understand the main events linked to the clubber culture in the Rio-São Paulo axis and investigate how its attendees relate to fashion and to the clubber identity itself, grounded in the concept of "neotribalism". The theoretical framework is based on the works of Maffesoli (1988/2000), Bourdieu (1991/2001), Thornton (1995), and Barthes (1967/1979), which help explain the symbolic, social, and aesthetic processes involved. To achieve its goals, the study employed three methodological strategies: participant observation, in-depth interviews, and a survey. The analysis of the collected data reveals that fashion plays a fundamental role in shaping clubber identity, serving as both an aesthetic and social language. The clubber scene emerges as a space for experimentation, transgression, and constant reinvention. Furthermore, the research highlights how its signs and symbols are appropriated and redefined by the market, illustrating the dynamic of capitalist incorporation. In this way, the study sheds light on the complex relationship between style, belonging, and consumption within the contemporary context of urban cultures.