ORIGINAL ARTICLES
El diálogo del artista contemporáneo y la iglesia católica
The dialogue of the contemporar y artist and the Catholic Church
Pablo López Raso*
*España, artista visual e professor. Doctor en Bellas Artes.
AFILIAÇÃO: Universidad Francisco de Vitoria (UFV), Facultad de Comunicación. Ctra. M-515 Pozuelo-Majadahonda Km. 1,800. 28223 Pozuelo de Alarcón (Madrid) España.
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RESUMEN:
Análisis y expectativas de un nuevo escenario en el arte contemporáneo caracterizado no sólo por el renovado interés en lo relacionado con lo trascendente por parte de ciertos artistas, también por la actitud dialogante de una iglesia católica que invita en el contexto del denominado Atrio de los gentiles, a que artistas no creyentes expresen su personal visión de lo espiritual. Un ejemplo: el pabellón del Vaticano en la Bienal de Venecia 2013.
Palabras-clave: arte contemporáneo / arte y espiritualidad / arte sacro.
ABSTRACT
Analysis and expectations of a new stage in contemporary art characterized, not only by the renewed interest in relation to the transcendent by certain artists, but also by the attitude of dialogue of the Catholic church that invites, in the context of so-called Court of the Gentiles , artists who are not believers to express their personal vision of the spiritual. An example: Vatican pavillion at the Venice Biennale 2013.
Keywords: Contemporary art / art and spirituality / sacred art.
]]> Introducción
La modernidad revolucionaria de hace un siglo hizo desaparecer del arte todo lo que pudiera vincularse con la creencia en lo religioso, pues en su actitud hostil contra la tradición, no pudo evitar asociar a la fe y a la institución eclesiástica con lo reaccionario y la vetusta tradición. Un ambiente intelectual claramente anticlerical en la cultura de la última modernidad de los años sesenta y setenta del siglo pasado, ha ido dejando paso, en un contexto de revisión de la radicalidad moderna, a una gradual reconciliación con los postulados espirituales que proceden de una Iglesia modernizada en el Concilio Vaticano II.
La posmodernidad de final del siglo XX, en su indiferencia y relativismo, en su insatisfacción dentro de una sociedad del bienestar – que una vez alcanzada – no parecía responder a cuestiones como las relacionadas con lo existencial, ha propiciado que ciertos artistas expresen con un lenguaje poético y lleno de sensibilidad sus más profundas inquietudes espirituales, o que miren a los templos cristianos y a sus santos como estimulante posibilidad y prometedor soporte de algo nuevo.
1. Contexto
Muchos críticos y expertos han sido testigos de esta nueva actitud artística en la última década. Se hace necesario citar como ejemplos más notables a revistas como EXIT Express, que dedicaba su nº 39 (noviembre 2008) al tema: En el nombre del arte. Religión y arte contemporáneo. O la monografía de J. Elkins (2004) The Strange Place of Religion in Contemporary Art. New York: Routledge. También el capítulo de E. Heartney (2008) "Arte & espiritualidad. El renacer de la trascendencia" en Arte & Hoy, London, Phaidon, y de la misma autora E. Heartney (2004) Postmodern herethics: The catholic imagination in contemporary art. New York, Midmarch Arts Press, así como a A. Vega. (2010) Sacrificio y creación en la pintura de Rothko. Madrid: Siruela, y por supuesto, el presente número de la REVISTA ESTUDIO cuyos artículos giran en torno al título DIOS.
Del estudio de la bibliografía citada, y de la que aporto al final de este artículo, se infiere que la inquietud por lo espiritual no desapareció realmente en la modernidad, más bien se fortaleció una postura anticlerical contra la institución religiosa, pero en realidad artistas como por ejemplo Matisse, Rothko, Beuys, Klein, Tapies, Chillida… entre otros, citaron en su obra de una manera u otra su inquietud por lo trascendente. Tal y como asegura Mircea Eliade, Dios nunca ha dejado de estar presente en el arte, ni en momentos como el de las vanguardias del XX, aunque fuera bajo una presencia aparentemente formal (Eliade, 1995: 142).
Y en un panorama más actual la lista de artistas se incrementa, ya sin complejos de referir su obra a lo espiritual, con ejemplos como Barceló y su capilla del Santísimo en la Catedral de Palma de Mallorca (2006), Luc Tuymans y su Cristo(1998), Wallinger y su Ecce Homo (1999), Los hermanos Gao: The Execution of Christ (2009), Marina Abramovich fascinada por la figura de Santa Teresa en su proyecto The Kitchen (2012). Landy y sus Saints alive (2013) y muy recientemente Bill Viola y sus Mártires (2014) exhibidos en la Catedral de San Pablo en Londres… sin contar a muchos otros artistas que generan en el espectador inquietudes sobre el sentido de la existencia y el más allá sin citar específicamente lo religioso, como por ejemplo Olafur Eliasson y su instalación The Weather Project exhibida en 2003 en la sala de turbinas de la Tate Modern, y en la que el visitante no podía evitar experimentar la romántica melancolía que produce lo sublime mediante la enorme y ardiente esfera solar expuesta.
Y no podemos dejar de citar la reciente colectiva comisariada por Gloria Moure en Santiago de Compostela, cuyo asunto no era otro que un homenaje a la peregrinación de San Francisco de Asís ocho siglos atrás a la ciudad compostelana, que con el título On the Road (2014) reunió a 35 artistas en cuatro sugerentes espacios entre los que se contaban la Iglesia de Santo Domingo Bonaval con instalaciones de Mario Merz, Nam June Paik, Roni Horn y videos de Annika Kahrs y Lothar Baumgarten. También el parque y cementerio de Bonaval formaban parte de la muestra, donde podíamos contemplar un árbol de los deseos de Christian Boltansky y la intervención de Jorge Barbi En el final del camino en el que los nichos del cementerio se convertían en colores puros que transformaban el espacio.
]]> 2. Una paradoja
Y la paradoja surge cuando vemos que esta nueva inquietud observada en ciertos artistas actuales, coincide en el tiempo con otra inquietud surgida en el seno de la iglesia católica relacionada con el reencuentro con los artistas, que durante el periodo moderno citado han rechazado frontalmente relación alguna con esta institución. Muy elocuente en este sentido es la famosa Carta a los Artistas en la que Juan Pablo II proponía un diálogo renovado con una cultura actual que sin tener que crear específicamente arte sacro, puede generar con sus imágenes una experiencia religiosa (Juan Pablo II, 1999).
Más recientemente, Benedicto XVI también expresó este deseo de renovar la relación con los artistas contemporáneos:
Con este encuentro deseo expresar y renovar la amistad de la Iglesia con el mundo del arte, una amistad consolidada en el tiempo, dado que el cristianismo, desde sus orígenes, ha comprendido bien el valor de las artes y ha utilizado sabiamente los multiformes lenguajes para comunicar su inmutable mensaje de salvación. Esta amistad debe ser continuamente promovida y sostenida, para que sea auténtica y fecunda, adecuada a los tiempos y tenga en cuenta las situaciones y los cambios sociales y culturales (Benedicto XVI, 2009).
Un mes después de pronunciar estas palabras, en diciembre de 2009, Benedicto XVI hacía una propuesta, que se convierte en la actualidad en la base y el contexto necesario para que tenga lugar el encuentro entre artistas e Iglesia. Me refiero a su propuesta de crear el denominado Atrio de los gentiles, o lo que es lo mismo; abrir el diálogo con los no creyentes y ateos, pero que se preguntan por la existencia de Dios. Hay un aspecto interesante y valiente en este atrio, pues excluye fundamentalismos tanto de fieles como de ateos, creando unas interesantes condiciones para el diálogo:
¿Cómo llevar a cabo concretamente este diálogo? Este tipo de diálogo excluye de antemano los fundamentalismos de ambos bandos, tanto al ateísmo panfletario e irreverente que se mofa de la cuestión de Dios, la actitud jactanciosa e insolente que piensa haber liquidadoa Dios con frases de ingenio o pacotilla pseudocientífica, como también a quienes piensan que de los ateos no hay nada que aprender y que lo único que tienen que hacer es convertirse o desaparecer (Sanchez de Toca, 2011:319).
En realidad la Iglesia católica, en esta misma línea y con anterioridad (2006), ya venía promoviendo la experiencia estética como posible ámbito de diálogo con los no-creyentes desde el Pontificio Consejo para la Cultura con el documento La Via Pulchritudinis, camino privilegiado de evangelización y de dialogo (AAVV, 2008).
3. Un ejemplo
Así, desde este Atrio de los gentiles y desde el espíritu de respeto y honestidad intelectual que lo inspira, echó a andar una de las más novedosas intervenciones de la iglesia en el escenario cultural contemporáneo: la presencia del Vaticano en la última Bienal de Venecia (1 de junio – 24 de noviembre 2013) con un pabellón en el que se invitaba a artistas sin relación directa con la institución religiosa – no creyentes – a reflexionar sobre el libro del Génesis en la Biblia, bajo el título de In Principio. La iniciativa fue impulsada por el Cardenal Ravasi, presidente del Pontifico Consejo para la Cultura, que delegó en una comisión técnico-científica, para seleccionar a los artistas. El comisario de la muestra fue Antonio Paolucci, Director de los Museos Vaticanos (AAVV: 2013).
]]> Estructurado el pabellón en tres partes: creación, decreación y recreación, se concedió a los artistas libertad absoluta para interpretar cada una de estas propuestas. El propio Cardenal Ravasi declaró en la inauguración de la Bienal: "No hemos pedido a los artistas crucifijos o vírgenes" (Cabrejas, 2013) haciendo alusión a ese diálogo respetuoso, que busca inquietudes comunes sin imposición alguna en el mensaje o en la forma. El Génesis sin duda se presentaba como oportunidad para reflexionar sobre aspectos existenciales que preocupan y unen a todos los hombres: quiénes somos, adónde vamos… la posibilidad del bien en un paraíso, la existencia del mal que destruye, la esperanza…A la entrada del pabellón del Vaticano en la Bienal de Venecia nos recibía una interpretación de La Creación de Miguel Ángel realizada por Tano Festa (Figura 1). Para la sala de la Creación, el grupo milanés Studio Azzurro, con el título In Principio (e poi) [Al Principio ( y después)] proponía una videoinstación interactiva de cuatro enormes pantallas … en un misterioso ambiente de penumbra – en las que el espectador era testigo, tocando los soportes con sus manos, de las apariciones espectrales de hombres y mujeres que evocaban a sus antepasados recitando una genealogía que relacionaba memoria e identidad (Figura 2).
En otro panel surgía el lenguaje, que es comunicación y es dominio de una realidad, con el que el hombre vive en comunidad y con el que designa con nombres a sí mismo, y a los animales y las cosas que le rodean. El espectador tenía la posibilidad de grabar bajo la luz de un foco cenital su mano, que inmediatamente era reproducida en el suelo de la sala como un bucle que sugería una galaxia, un eco del pasado en el que las personas dejamos huella, y a la vez el espectador se convierte en parte de la obra.
La segunda sala, dedicada a la decreación, fue encargada al fotógrafo Josef Koudelka. Imágenes fotográficas en formato panorámico y en blanco y negro, rodean apoyadas en el suelo al espectador, que en su paseo por la sala entendía dramáticamente la capacidad de destrucción que el hombre ha demostrado a través de la historia en su constante choque entre civilizaciones. Dieciocho imágenes tomadas entre 1986 y 2006, y que con el título Caos, retratan las cicatrices de destrucción que dejan yermo el paisaje, y sin esperanza al hombre (Figura 3).
]]> El tercer y último espacio está protagonizado por la vida, por el triunfo de esa esperanza perdida. Lawrence Carroll expresa en sus cinco enormes paneles la regeneración, la posibilidad de volver a empezar de cero tras el desastre, y lo hace con los procedimientos de ecos povera que le caracterizan. Sus cinco monumentales paneles realizados con materiales de deshecho, pero manipulados con cariño y cuidado, acababan por rememorar en el espectador algo familiar, que formaba parte de lo usado, visto y sentido en nuestras vidas, y en los que se superponen retales de hules y otras telas, con bombillas y otros materiales que en conjunto niegan la aparente decadencia, para reivindicar una belleza sencilla y pura rematada por unas bombillas de vulgar casquillo y cableado visto (Figura 4) que nos invita a tener fe en nuestra regeneración. En el mismo sentido, otro de sus paneles – con una técnica que denomina freezing painting – exhibe una superficie viva y congelada que cambia y se altera continuamente, como la vida misma (Figura 5).
Conclusión
La paradoja se convierte en oportunidad y de esta manera se abre una etapa prometedora de iniciativas y experimentación entre creadores que exploran el sentido de la existencia más allá de sí mismos, y una institución eclesiástica que sale al encuentro de las inquietudes del hombre actual. Pero a la vez entraña sus riesgos, y tal relación no prosperará a no ser que por ambas partes se trabaje con respeto y honestidad intelectual. Es el momento de dejar atrás diferencias, prejuicios y desconfianzas del pasado, y producir con arrojo creativo e ilusión compartida un arte espiritualmente comprometido, en el que los artistas recuperen el ámbito abandonado de lo sacro. Allí está la Iglesia católica ofreciendo sugerentes espacios llenos de oportunidades a todo artista dispuesto a proponer proyectos sugerentes con lenguajes artísticos actuales, que puedan ayudar a unos a encontrarse con Dios y a otros a plantearse su existencia, pero que sobre todo pueda satisfacer – en creyentes y no creyentes – ese ansia metafísica que late en nuestro interior, más allá de raza, condición o ideología:
Cada uno de los estilos sagrados expresa una determinada vivencia religiosa. El ansia metafísica es tan antigua como la humanidad y tan nueva como cada hombre nuevo con quien nazca el deseo de dar sentido a ese eterno misterio que es la vida (Westheim: 63).]]>
Referencias
AAVV. (2008) "En el nombre del arte. Religión y arte contemporáneo" en EXIT Express, nº 39. ISSN 1697– 5405 [ Links ]
AAVV. (2008) La Via Pulchritudinis: camino de evangelización y de dialogo. Madrid, BAC. ISBN 978-84-7914-893-5 [ Links ]
AAVV. (2013) In Principio. Catálogo de la muestra del pabellón del Vaticano en la Bienal de Venecia 2013. Bologna, FMRArte. ISBN 978-88-87915-83-9 [ Links ]
Benedicto XVI. (2009) Discurso a los artistas: La belleza camino hacia Dios (21 de noviembre) Consultado el 6 de septiembre de 2014 en: http://www.es.catholic.net/comunicadorescatolicos/730/2300/articulo.php?id=44224 [ Links ]
Cabrejas, C. (2013, 31 de mayo) "Vaticano sorprende en su debut en Venecia con su visión laica del Génesis." Agencia EFE en El Confidencial. Consultado el 6 de septiembre de 2014 en: http://www.elconfidencial.com/ultima-hora-en-vivo/2013/05/vaticano-sorprende-debut-venecia-visionlaica-20130531-153118.html [ Links ]
Eliade, M. (1995) Permanencia de lo sagrado en el arte contemporáneo. El vuelo mágico y otros escritos sobre simbolismo religioso. Madrid, Siruela, ISBN: 8478442936 [ Links ]
Elkins, J. (2004) The Strange Place of Religion in Contemporary Art. New York, Routledge, ISBN 0-415-96988-3 [ Links ]
Heartney, E. (2008) Arte & espiritualidad. El renacer de la trascendencia en Arte & Hoy. Londres, Phaidon. ISBN 9780714859279 [ Links ]
Heartney, E. (2004) Postmodern herethics: The catholic imagination in contemporary art. Nueva York, Midmarch Arts Press, ISBN 1-877675-50-4 [ Links ]
Juan Pablo II. (1999) Carta del Santo Padre Juan Pablo II a los artistas. Consultado el 6 de septiembre de 2014 en: http://www.vatican.va/holy_father/john_paul_ii/letters/documents/hf_jp-ii_let_23041999_artists_sp.html [ Links ]
Sánchez de Toca, M. (2011) "El Atrio de los gentiles". Razón y fe. Noviembre 2011, 307-322. ISSN: 0034-0235 [ Links ]
Vega. A. (2010) Sacrificio y creación en la pintura de Rothko. Madrid. Siruela, ISBN: 9788498413663 [ Links ]
Westheim. P. (2006) Arte, Religión y Sociedad. Mexico DF, Fondo de cultura Económica. ISBN: 968-16-7809-5 [ Links ]
Artículo completo enviado el 7 de septiembre e aprovado a 23 de setembro de 2014
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